MICHAEL CLAYTON

Con siete nominaciones al Oscar (incluidos los de mejor director, guión original y película) y ganadora de uno por la mejor actriz de reparto, Michael Clayton es un thriller con tanta clase como su protagonista.




FICHA DE LA PELÍCULA:
TITULO ORIGINAL Michael Clayton
AÑO 2007
DURACIÓN 119 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Tony Gilroy
GUIÓN Tony Gilroy
MÚSICA James Newton Howard
FOTOGRAFÍA Robert Elswit
REPARTO George Clooney, Tom Wilkinson, Tilda Swinton, Sydney Pollack, Michael O'Keefe, Ken Howard, Denis O'Hare, Robert Prescott, Austin Williams, Sean Cullen, Merritt Wever, David Lansbury
PRODUCTORA Warner Bros. Pictures
7 nominaciones a los Oscar: Mejor película, director, guión original, actor principal (George Clooney), actor de reparto (Tom Wilkinson), actriz de reparto (Tilda Swinton), banda sonora.
Ganadora de 1 oscar a la mejor atriz de reparto.


Una llamada en medio de la noche. Un cliente con graves dificultades, y un despacho de abogados que cuenta con el tipo de profesional que requiere la ocasión. Por su elegancia y precisión, la seguridad que muestra en sí mismo, la rápida presentación en el lugar de los hechos, y por la propia definición de su cargo, la de “solucionador de problemas”; muchos recordarán a Harvey Keitel como Winston Wolf. Sin embargo, nada tiene esta cinta de Pulp Fiction Tarantiniano; moviéndose, más bien, por los derroteros que seguían productos como El Informe Pelícano (Alan J. Pakula, 1993) o Erin Brockovich; y es que, no en vano, Steven Soderbergh no está lejos del proyecto.

Su director, un Tony Gilroy desconocido en las tareas de realización hasta esta película, es el creador de la saga de Bourne; el espía que, gracias a los inteligentes movimientos de su guionista, ya se encuentra a la altura de otros grandes agentes especiales del cine, como el mismísimo Bond o Ethan Hunt de Misión Imposible. Y es que ésa es una de las habilidades del Gilroy escritor, la de saber adentrarse en temáticas manidas y estereotipadas para darles una nueva dimensión.



En esta ocasión, sigue manifestando su obsesión por el mundo profesional y cómo éste afecta y es afectado por las relaciones personales, la vida familiar y las condiciones, aptitudes y actitudes individuales, tal y como mostrara desde sus inicios con la presentación de una deliciosa y diferente comedia romántica, Pasión por el Triunfo, allá por 1992. Después, vendrían historias como Prueba de Vida, interpretada por Russell Crowe, Al Cruzar el Límite, o Pactar con el Diablo, en la que pudo conocer diversos casos del entramado legal neoyorquino que inspiraron la figura de Michael Clayton.

Básicamente, nos encontramos con un thriller que tiene tanta clase como su protagonista, George Clooney, Cary Grant del siglo XXI, y también nominado por este papel. Un análisis riguroso que huye de los artificios de los relatos de John Grisham, para difuminar la línea entre buenos y malos y mantenerla hasta el final de la narración; que, lamentablemente, no se atreve a romper con lo políticamente correcto, para decantarse por una resolución que nunca se dio en los hechos reales en los que se basa. El cine americano sigue apostando por los finales de triunfo moralista frente a la vorágine del mundo actual.

Por lo demás, Michael Clayton es una de esas elaboraciones bien paridas que tan poco juego dan a los críticos. Un trabajo perfeccionista del que pocos errores y muchas virtudes se pueden extraer. Sólo tenemos que recordar su magnífico arranque, en el que una estupenda voz en off acerca a una realidad con la que no estamos familiarizados, para adentrarnos en ella y no permitir que el espectador pagano pueda perderse. Una película que consigue enganchar, como pocas, desde el primer fotograma, que demuestra que los grandes planos no sólo salen de paisajes inspiradores, sino que éstos también se pueden lograr siguiendo con la cámara las ruedas de un carrito que reparte expedientes en unas oficinas, o con el agua de un grifo que intenta calmar la angustia de la protagonista.





Tras una concienzuda exposición, -que pone especial cuidado en el particular back-story de cada personaje y minimiza los efectos adversos de su denso argumento-, los brillantes diálogos y el caprichoso montaje que persigue a la actriz, desembocan en la planificación más excitante que ha dado el séptimo arte desde la versión inglesa de Sabotaje de Alfred Hitchcock. Se agradece su ágil ritmo, la genialidad de conocer el origen de la trama con un cinta de vídeo, de descubrir a Clayton a través de las notas de una secretaria, de aproximarse al memorándum 229 desde la visión de un hastiado perturbado. Se agradece, igualmente, la propuesta que arriesga con un guión parcialmente desestructurado, que permite volver a la inicial partida de pócker, que no será percibida con la misma mirada.

En el apartado que concierne al reparto, asistimos a verdaderos duelos interpretativos, los que se establecen entre todos los personajes y que ampliamente justifican todas sus nominaciones. La contención y el escrupuloso trato que se dedican a cada uno de ellos, son los responsables de la empatía que se establece entre el público y un Tom Wilkinson en estado de gracia (qué ganas tenía de poder escribir estas palabras en una crítica de cine), hasta con una Tilda Swinton que ratifica las conclusiones que, de esta historia, daba su creador: “Cuando estás perdido, ni todo el carisma del mundo te ayuda a encontrar el camino a casa”.

Tan perdida como lo estuvo esta cinéfila en la quiniela de la edición número 80 de los Oscar al marcar su apuesta de “mejor película”. Que nadie se lo crea, que, como diría el encantador Clooney-Clayton, “es broma”.... y la acción transcurre entre los títulos de crédito finales.... y las tribulaciones de un hombre atormentado pronto se solventan con una sonrisa.

Leer critica de Michael Clayton en Muchocine.net

LA CEREMONIA DE ENTREGA DE LOS OSCAR 2008, PASO A PASO

Transcripción de las notas tomadas en tiempo real.
Comienza la gala a las 2:30 horas de la madrugada, hora española. Deben de ser las 8 y media de la tarde para Javier Bardem. Tras una serie de chistes insoportables, como siempre, por parte del conductor de los premios (este año menos ingeniosos por la huelga de guionistas), se entrega el primer galardón de la noche.



1.- MEJOR VESTUARIO
Hablando de éste, es significativo destacar que las españolas (Penélope, Pilar Bardem y la novia de Alberto Iglesias) vestían de negro; que Marion Cotillard (guapísima francesa que protagonizó la comedia Un Buen Año de Ridley Scott -uno de los grandes ausentes de la noche) iba recubierta de escamas de pez; que el atuendo de la novia de Danny Day-Lewis, espantaba; y que la Diablo, guapísima de cara, no podía ir más hortera.

Dicho lo cual, y como lo nuestro es el cine, indicar que el Oscar al Mejor Vestuario llegaba a las 2:42 de la madrugada, hora española, y que iba para.... Elizabeth, la Edad de Oro....
Un trabajo que, según la ganadora, está inspirado en la obra del diseñador español Balenciaga; y una Cate Blanchett, radiantemente embarazada, que aplaude entusiasmada. Es en este momento cuando tengo la curiosa impresión de haber asistido ya a esta Gala, en aquella ocasión en la que Sigourney Weber, doblemente nominada por Gorilas en la Niebla (actriz principal) y por Armas de Mujer (actriz secundaria), finalmente, se quedaba a la luna de Valencia...
Mi intuición sería confirmada.

Y, ojo, porque el mejor vestuario suele coincidir con la mejor dirección artística… no en esta ocasión. Esta película no figura entre las nominadas a la mejor dirección artística.

Competía con:
Across the Universe
Expiación
La Mome
Sweeney Todd

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Las nominadas son: Ratatouille, de Brad Bird & Jan Pinkava,
Persépolis y Locos por el surf

Sólo hay 3 por el escaso número de películas de animación presentadas. Alvin y las Ardillas fue descalificada por no contener el número de minutos establecidos en escenas de animación.
Ganadora: Ratatouille
También nominada a mejor guión original. Importante mensaje en ese “Cualquiera puede cocinar”, para indicar que cualquiera no puede ser un artista, pero que un artista puede proceder de cualquier parte del mundo y estrato social. Impagable también la lección de Antón Ego para todos los críticos del mundo. Nada arriesgan los críticos cuando, posiblemente, están destrozando el trabajo de quienes sí se juegan su medio de vida.

Es entregado a las 2:54 de la madrugada.

2:57 horas. Llega el OSCAR AL MEJOR MAQUILLAJE
Lo entrega la prota de 27 vestidos, y es para... La vie en rose. Un trabajo impresionante y una lástima que no figure el maquillaje en las quinielas, porque ésta sí que la habría acertado, jajajja.. Un trabajo, como digo, impresionante, para caracterizar a la guapísima Marion Cotillard en la figura de la mítica cantante francesa de La Vie en Rose.

Competía con:
Norbit
Piratas del Caribe: en el fin del mundo


3:06 horas.- MEJORES EFECTOS ESPECIALES
La Brújula Dorada.
Competía con:
Piratas del Caribe: en el fin del mundo
Transformers


Cate Blanchett entrega la MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA a Sweeney Todd a las 3:10 horas.
Competía con:
Expiación
American Gangster
La brújula dorada
Pozos de Ambición

Mi apuesta fue para Expiación, por la complicación de retratar, con igual exactitud, la majestuosidad de una vivienda de la clase alta británica a principios del siglo XX, con la decadencia del Londres en la Primera Guerra Mundial.
En cualquier caso, la creación del Londres de Sweeny Todd es absolutamente magistral, y éste un oscar, sin duda alguna, muy merecido.

Y LLEGA EL GRAN MOMENTO....

ACTOR SECUNDARIO
Dedos cruzados…….
Los nominados:
Casey Affleck, por El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford
Javier Bardem por No es un país para viejos
Phillip Seymor Hoffman por La guerra de Charlie Wilson
Hal Holbrook por Hacia rutas salvajes
Tom Wilkinson por Michael Clayton

Gran ovación en la sala para el actor español…..
Nervios….
Recordemos un guiño que le hacía el presentador de la gala al principio de la ceremonia, hablando de su papel de asesino. Recordemos los numerosos comentarios sobre la peli de los Coen durante toda la noche… recordemos los numerosos premios cosechados, recordemos las predicciones, las innumerables quinielas que le dan por ganador; y que no siempre el gran favorito se ha llevado la estatuilla. ¿Habrá sorpresa?. Dedos súper cruzados....
Y…....... SÍIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Son las 3:18 de la madrugada, hora española. Discurso mitad en inglés, mitad en español. Premio histórico, importante noticia para los cinéfilos españoles… estaba cantado. Dedicado a los Coen, dedicado también a los cómicos españoles y a su familia. Magnífico trabajo y justa y merecida recompensa.
Personalmente, entiendo que una persona normal pueda meterse en el papel de un asesino sin escrúpulos. Ésa es la magia del cine y el buen hacer de un gran actor. Entiendo que se le "odie" en Estados Unidos por su personaje, como le hemos "odiado" en España por todos aquellos papeles de conducta reprochable, que tan hondo nos han llegado. Pero nunca entenderé cómo es posible adoptar esa mirada.... la de la esquizofrenia. ¡Enhorabuena, Javier Bardem!

Hace tan sólo unas horas, intervine telefónicamente en un programa de radio local para dar mi quiniela. Se me advertía de que Javier Bardem había bajado enteros por unas declaraciones "inapropiadas". Al parecer, el actor español había dicho que se basó en George Bush para interpretar al asesino de No es País para Viejos... Este hecho disgustaba a los compañeros cinéfilos de esta emisora radiofónica. Yo tuve que contener la risa, haciéndoles ver que no es el primer actor que se posiciona contra la política Bush, que otros grandes actores oscarizados como Tim Robbins, Susan Sarandon o Jessica Lange también lo había hecho. En todos los casos, no se puede limitar la libertad de expresión en el país de las libertades... ¿no?.

Anda que... hacer esas declaraciones.... jajajaja, Grande, Javier Bardem.

Mi corazonada es cada vez más fuerte. Ésta es la noche de los Coen. La película perfecta, el equilibrio entre técnica y ejecución del guión. El metraje que contiene una de las elipsis más inteligentes de la historia del cine, desde que Stanley Kubrick rodara 2001: Una Odisea en el espacio.

La Gala continúa con las canciones de “Encantada”. Son tres.

MEJOR CORTO….
Me he perdido por ir a tomar un vaso de leche a la cocina… Mañana me lo dirá Plissken en el foro de Muchocine.net. Ventajas de tener amigos que son directores de cortometrajes... y de los buenos.
Mira que si un año tú estás ahí...... sería capaz de bajar a los infiernos para obtener un pase de prensa.... y bien lo sabes, jajajaja.

MEJOR CORTO DE ANIMACION
Los nominados son:
Même les pigeons vont au paradis
I Met the Walrus
Madame Tutli-Putli
Moya lyubov
Peter & the Wolf

Ganadora: Pedro y el lobo.

Aprovecho el ratito de pausa que se hace en la gala para comentar la extraña experiencia que he tenido esta noche en el programa de radio. Extraña porque no me ha gustado el trato (no mucho) y he tenido la sensación de un constante “sabemos más que tú” hacia mi persona. Hablando del Oscar a la mejor película, y habiendo dicho yo que NO ES PAÍS PARA VIEJOS es mi clara favorita, me traen a colación Laura de Otto Preminger ¿? con respecto a los que es un actor principal y lo que es un actor secundario.
He mantendio mi teoría de que Bardem protagoniza una historia auxiliar y que, por lo tanto, es un clarísimo secundario. Por su parte, Lee Jones es el actor principal. En cualquier caso, un debate absurdo y estéril (que se prolonga durante 25 minutos), puesto que esta apreciación (la mía) es la misma que ha visto la Academia y la que claramente explica el "Cómo se hizo" de la película.

La publicidad española -he comentado- ha hecho girar la historia en torno a Javier Bardem (por algo es español), pero esta historia no está así enfocada en Estados Unidos.
En fin... no seré yo quien le discuta a nadie que es un gurú del cine. Mucho menos si se tienen sobre la mesa datos precisos, que yo no tenía en la cama.... desde la que hablaba.

Mucha noche por delante, y llega el momento de la

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO:
Las nominadas:
Saoirse Ronan por Expiación
Cate Blanchet por I´m not there
Ruby Dee por American Gangster
Amy Ryan por Adiós pequeña Adiós
Tilda Swinton por Michael Clayton

Mi favorita es Amy Ryan por Adiós, Pequeña, Adiós.

Es probable que Cate Blanchett se quede como Sigourney Weber..... La Ganadora: Tilda Swinton, británica, de 47 años. La chica mala de Michael Clayton. Una grandísima interpretación dentro de ese juego maravilloso del montaje que muestra una entrevista para un programa de televisión.

Las 3:45 de la madrugada… y yo que no me quedo con las ganas de saber en tiempo real la suerte de los Coen.

Vamos a ver el que podría ser el primer oscar para ellos en esta noche.

MEJOR GUIÓN ADAPTADO:
Los nominados son:
Christopher Hampton por Expiación
Sarah Polley por Lejos de ella
Roland Harwood por La escafandra y la mariposa
Joen Coen y Ethan Coen por No es país para viejos
Paul Thomas Anderson y Upton Sinclair por Pozos de Ambición

Y.... Síiiiiiiiiii. Se presiente la noche de los Coen. Una excelente composición del guión, llevada al terreno más personal de los Coen, ése que nos encandiló en historias como Fargo. Ese Western con tintes de cine negro que han hecho suyo. Un muy merecido premio, Sí señor.

Nos vamos con LOS SONIDOS
Ambos para El ultimátum de Bourne. El guionista de esta saga, guionista también de una comedia romántica, Pasión por el Triunfo, que me enamoró allá por el año 93; se luce con el de Michael Clayton, por el que esta noche está nominado. Interesantísimos diálogos y una inteligente manera de presentar la trama para el público pagano en cuestiones legales estadounidenses.

Otro momento importante, el de MEJOR ACTRIZ. Son las 4:10 de la madrugada.
Las nominadas:
Julie Christie, por Lejos de ella
Laura Linney por The Savages
Cate Blanchett por Elizabeth, la edad de Oro
Marion Cotillard por La vida en rosa
Ellen Page por Juno

Larga ovación para Ellen Page, lo mejor de una comedia que cubre la cuota de cine indie de este año, y que no debería figurar entre las mejores cinco películas de 2007.

Mi favorita es la Julie Christie, y el oscar es para...... ¡estaba cantado!.... Marion Cotillard. Éste se me escapó en mi quiniela..... jajajaja. Es normal. Hace mucho tiempo que vi La vie en Rose, y muy poco que he visto Lejos de Ella. (qué excusa tan mala, y mira que suelo tener yo buen ojo para las actrices....)

En cualquier caso, muy merecido premio para la guapa francesa, radiante con ese vestido blanco, cruzado por la espalda (qué poco me gusta comentar esto). Emocionadísima al recoger el premio.
La cosa, de momento, en cuestión actoral, va de español a francesa, pasando por británica. Si Day-Lewis gana el de Mejor Actor... los cuatro actores serán europeos.

Y Cate Blanchett que se queda sin ningún Oscar este año. Tiene uno por interpretar a Katherine Hepburn en El Aviador de Martin Scorsese. Todas mis intuiciones cumplidas, y sólo falta que los Coen suban, por lo menos, dos veces más al escenario. Podrían subir también como mejores montadores, trabajo que han firmado con un pseudónimo.

Se escucha la cuarta canción, la favorita.... y Jack Nicholson que dice que "ama las películas".... "una película puede cambiar el mundo", que suele decir Coppola, y ese amor por las películas, esa convicción de que una película puede cambiar el mundo son los que me tiene a mí aquí, despierta a estas horas, sabiendo que tengo que entrar a trabajar a las 8:30 a.m.

Nicholson trae un resumen de los Oscars a las Mejores Películas de las 79 ediciones de estos premios. Van año por año... Ains, ese beso de Deborah Kerr, eterna Deborah. Un Americano en París, Rebeca, Lo que el Viento se llevó, La lista de Schindler.... y las que, para mí, no merecieron el Oscar: Paseando a Miss Dasy, el Paciente Inglés...

Hala, que toca el MEJOR MONTAJE
Renee Zellweger, la chica de mirada miope (como lo era la srta. Monroe) puede traer la noticia del segundo Oscar para los Coen. Y...... no.
Es para El Ultimátum de Bourne, que consigue su tercer Oscar.
Competía con:
La escafandra y la mariposa
Hacia rutas salvajes
No es país para viejos
Pozos de Ambición

Seguidamente, Nicole Kidman, también vestida de negro, y también embarazada, dará el oscar honorífico a Robert Boyle, diseñador de producción.
Con cuatro nominaciones, nunca obtuvo el Oscar. Entre ellas, estuvo la de "Con la muerte en los talones".

Tengo la suerte de conocer a uno de los mejores críticos de este país, que no es para viejos, (para mí, el mejor de todos los grandes críticos), quien me hacía una extraña observación: "¿No te parece una tontería citar a un tío, al que te quieres cargar, en un paraje desangelado para fumigarlo con una avioneta?. ¿Por qué no pegarle dos tiros?. Observación extraña, porque yo, "pijotera" que siempre se dedica a criticar hasta los detalles más insignificantes (recuérdese el protocolo antiterrorista de REC), nunca había reparado en ello.

Acostumbrada a sus maravillosas ironías, no dudé en contestarle que "no me parecía una tontería, porque yo también lo habría fumigado". Los dos nos reímos, y llegamos a la conclusión de que "pegarle dos tiros", nos habría privado de esa escena magistral... y del resto de la película.

Fue ésta una observación de mi amigo para que yo me diera cuenta de cuántas veces el árbol me impide ver el bosque. Ese árbol que tantas veces él intenta mostrarme.... el que veía la crítica americana para decir que Hitchcock (quien no tiene Oscar) no sabía nada del barrio en el que está rodado La Ventana Indiscreta, porque desde esa ventana, en ese lugar.....bla,bla,bla. ¡Paparruchas¡ -decía Truffautt: "Yo sé de cine, y La Ventana Indiscreta es cine". Cuántas veces ese árbol me ha impedido ver el bosque en el pasado (frase que empiezo a sospechar que mi amigo ha sacado de Mogambo); y es que he llegado a la conclusión de que lo importante no es no ver el árbol (y criticarlo), sino que lo importante es no dejar que "el árbol (frase de Ava Gardner) te dé en las narices".

Seguimos. Pe y Travolta presental el Oscar a la MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA
Contra todo pronóstico, gana la película austriaca, que narra otro episodio del holocausto nazi en "Los Falsificadores". ¡Qué pereza tener que comentar este argumento otra vez, si es que se proyecta en Albacete...! Este Oscar puede dar a la Academia española una idea de que no era tan descabellado haber enviado "Las 13 Rosas", la magnífica película que, por primera vez en el cine español, antepone el humanismo a la ideología, y que tan buen resultado podría haber dado.... Demasiado tarde para reflexiones de este tipo.

Por supuesto, no hay representación española (y yo que pensé que el guión de El Orfanato podría llegar a estar nominado...), y las otras afortunadas, contra las que competía la austriaca, fueron:
Beaufort, de Israel
Katyn, de Polonia
12, de Rusia
Mongol, de Kazasjtan


Se escucha otra canción en la gala.... Encantada, otra vez, cuando me entero de que la próxima peli de la Disney (lo dicen los maravillosos comentaristas de la SER) va a ser "La princesa y la rana" (¿O era el príncipe rana?). No recuerdo el título, pero sí que es uno de mis cuentos favoritos, y que será un placer esperar y criticar la nueva genialidad de la productora mágica por excelencia.



Travolta presenta el oscar a la MEJOR CANCIÓN
Otra que estaba "cantada". Gana la favorita, que es Once (“Falling Slowly” ). Competía contra:

August Rush ("Raise It Up")
Encantada ("Happy Working Song")
Encantada ("So Close")
Encantada ("That's How You Know")

Una categoría que, sinceramente, este año, igual me daba, que lo mismo tenía. Ninguna de las cinco me llama la atención. Las de Encantada son especialmente torturadoras, sobre todo al salir del cuento.

Hala, hala, OSCAR A LA MEJOR FOTOGRAFÍA

¿Será para No es País para Viejos?. Como dirían en mi Tierra, la película tiene una fotografía que parece de postales, jajaja. Souvenir del oeste americano. Curiosamente, rodada en los mismos escenarios naturales donde está Pozos de Ambición.

¿Será para Expiación?. Otra de mis súper favoritas. Ese jarrón que cae en el fondo de la fuente... esa imagen que tanto me recuerdan a aquélla de Dias del Cielo por la que ganaba un oscar Néstor Almendros.

¿Será para Pozos de Ambición?. Una excelente fotografía también, que corre a cargo de quien realizó la fotografía en blanco y negro de Buenas Noches y Buena Suerte.

.... O para alguna peli de las confieso no haber visto, ni la fotografía, ni nada...
Es para Pozos de Ambición, el segundo para la película. El director de fotografía lo es también de Michael Clayton.

Son las 5 de la mañana, Hilary Swann conduce el homenaje a los fallecidos en el año 2007. Entre ellos está el director Antonioni.
En este momento, los maravillosos críticos de la SER dicen que éste es el impás que aprovechan los invitados de la gala para ir al bar... jajajja. Desde luego, qué poca delicadeza.

Volvemos del bar, digo, del homenaje, y Amy Adams, deliciosa en su papel de princesa de cuento, entrega el Premio a la MEJOR BANDA SONORA
que va para Expiación (su primer Oscar). Bueno... no es la primera vez que el compositor de Expiación se mide con Alberto Iglesias. Ambos coincidieron en el año 2005. Alberto Iglesias, segunda nominación, premio que se le escapa, y que ya prepara la banda sonora de la próxima peli de Almódovar, junto con otros muchos trabajos en USA.

CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
Para Freeheld. Momento con soldados estadounidenses que prestan sus servicios en Irak, y que me hacen recordar lo mal que enfoqué mi crítica de En el Valle de Elah... ese árbol que no me dejó ver la totalidad del bosque...
Como bien dicen los señores de la SER (los admiro), una película antiamericana en USA y muy americana en Europa.

DOCUMENTAL
Presentado por Tom Hanks es para Taxi al lado oscuro

.... Y qué poquito falta para los Grandes Premios...

"Esto es para España". Preciosas palabras de Javier Bardem..... y Diablo Cody que gana el oscar al MEJOR GUIÓN ORIGINALpor JUNO
Huy, huy.... una alegría inmensa para todas las mujeres que cuentan su vida en un blog...¿quién sabe si otro productor las descubrirá y las encumbrará al oscar? 29 años la guionista, y el primer oscar con el que no estoy de acuerdo. No le encuentro lógica a un guión disparatado que, lejos de ser una crítica de nada, no es más que un paradigma de lo absurdo. En fin.... otro que estaba cantado.
¡¡PELIGRO!!!, que a éstos (a los Académicos) se les va la olla como con CRASH, y le dan el oscar a la mejor película, y yo me pego cabezonazos contra la mesilla por quedarme en vela....pa ná.

En la Gala siguen rememorando los 79 OSCARS a la Mejor Película. Lo que me hace pensar que deberíamos abrir un especial en MUCHOCINE, llamado "Películas de Oscar". No es mala idea.

¿eing?, ¿cojones?, ¿ha dicho cojones?, jajajaja. Cojones son lo que no ha tenido Anderson (esto lo digo yo) para sujetar la actuación de Danny, la película es, en muchos momentos, más del actor que del director. Lo dije en mi crítica. Lo sigo pensando, dentro de diez años, está peli será recordada por al peli de.... Day Lewis.

MEJOR ACTOR
Muy bien, Daniel Day Lewis por Pozos de Ambición. Los otros nominados eran:

George Clooney, por Michael Clayton. Un gran papel. Perfectamente podría haber ganado esta noche.
Viggo Mortesen por Promesas de este. Ni me gusta el papel, ni el actor, ni el personaje...
Tommy Lee Jones por En el Valle de Elah. Tommy debería estar siempre nominado. Qué gran hombre.
Johnny Deep por Sweeney Todd. Hollywood ya le está debiendo un oscar a Deep....

Una durísima competencia y gana, a mi juicio, la mejor interpretación de todas. Sobreactuada, porque el papel así lo requería; y con esa genialidad de las grandes estrellas clásicas, que hacían suya una película.

MEJOR DIRECTOR
5:30 y Martin Scorsese anuncia que el oscar a los mejores directores es para los Coen.... mereció la pena estar la noche en vela.

No hay sorpresas, y también el OSCAR A LA MEJOR PELÍCULA es para ellos, por la producción de NO ES PAÍS PARA VIEJOS.

Me llama la atención que Joel dice que su cine no es diferente hoy al que hacían cuando tenían 15 años...
Quienes estamos acostumbrados a tragarnos todos los estrenos de cartelera, quienes, además, escribimos sobre ellos; no podemos quedar indiferentes ante esta película que nos descoloca, que se sale de lo "normal" de lo que se hace últimamente, de una obra maestra del cine contemporáneo.

Fin de mis notas. Hora de dormir.
Unas notas que habría perdido (soy un desastre), y que aquí estarán a salvo hasta la Ceremonia del año que viene.
Unas notas en las que quiero que figure una de las elipsis más inteligentes de la historia del cine:

La escena: Javier Bardem va a matar a la chica.
¿Por qué? Pues porque la tiene que matar
¿Es ella culpable de algo? No.
¿Tiene ella el dinero? No
Pero la tiene que matar porque su marido la pudo salvar y no quiso hacerlo. Incumplió la única opción que le daba el terminator de este western moderno de los Coen.

La escena se desarrolla, más o menos, de la siguente manera:
Bardem: Tengo que matarte
Ella: No tienes por qué hacerlo.
Bardem: Es curioso. Todos me dicen lo mismo: que no tengo por qué hacerlo.

Asistimos a otro matiz de historia de violencia gratuita, ésa que está explicando la historia principal: la de Tommy Lee Jones.

Bardem le da la única posibilidad de poder salvarse: la de la moneda de la suerte.

FIN DE LA ESCENA.

¿Qué ha pasado?, ¿la ha matado? ¿ha tenido suerte como el tipo de la gasolinera y ha encontrado su moneda de la suerte?.

Los Coen nos lo explican en la siguiente escena: Javier Bardem, ya en la calle, se mira las suelas de los zapatos.
¿Para qué? Para ver si se le han manchado de sangre.

Recordemos la escena en la que asesina a Woody Harrelson y un reguero de sangre corre por el suelo. Él pone los pies en la cama para no mancharse los zapatos. Escena clave para entender la elipsis que, escenas posteriores, nos iban a regalar.

La elipsis es un recurso cinematográfico que tiene por objeto empatizar con el espectador y comprobar su grado de sintonía en la historia que el director está narrando. Las que los Coen realizan para “No es País para Viejos” deberían ser estudiadas en las escuelas de cine.

Sin duda alguna, uno de los años en los que más contenta he quedado.

AND THE OSCAR GOES TO.....

"Esto es para España"



"Esto es para los cómicos que han traído, como tú, la dignidad a nuestro oficio"

Los cinéfilos españoles siempre recordaremos la Edición número 80 de los Premios Oscar de Hollywood con estas palabras. Emocionadas y emocionantes que, desde Los Ángeles, inundaban nuestros oídos. Un triunfo histórico para el cine español en una noche en la que ha merecido la pena dormir tan sólo una hora y media.

La gran ganadora de la noche (de ahí lo del merecimiento de la pena) ha sido para NO ES PAÍS PARA VIEJOS, con cuatro de los Óscars Grandes: Mejor película, Directores, Guión adaptado y el de nuestro Javier.

"Una historia que habla, más que nada, del lugar en el que se desarrolla; por lo que es un western... con tintes de cine negro". Siempre parco en palabras (en sus dos primeros discursos de agradecimiento, se limitó a pronunciar "Muchas Gracias" y "Gracias"), Ethan Coen definía de esta manera su última película. Un dato que no es necesario buscar en "google", puesto que a los críticos (al menos a los de prensa escrita) nos llegan las Notas de Producción de todas las películas que se estrenan en España (Yo tuve éstas en Noviembre). Algunas de ellas son tan amplias y completas que, en no pocas ocasiones, se me ha ocurrido la maldad de escribir la crítica sin ver la película. Podría hacerse, pero nunca ha sido mi caso (Hasta la fecha presente, jajajaja).

De esta manera, quedaban desplazadas las otras favoritas: Pozos de Ambición y Expiación. La primera de ellas, POZOS DE AMBICIÓN, de Paul Thomas Anderson, quien cuenta con el beneplácito de -nada menos- que Coppola; quien, a su vez, contó con el de Stanley Kubrick; quien, a su vez, contaba con el de Orson Welles. A juicio de quien realiza estos atropellados comentarios (atropellados por el sueño), una obra de arte a nivel técnico, que no encuentra correspondencia en la narración, quizás por estar referida a un guión (también nominado) que apostó por una arriesgada mezcla. En cualquier caso, una historia salvada por la actuación de Day-Lewis, que se alzaba con la estatuilla al mejor actor.
EXPIACIÓN, por su parte, es otra obra prácticamente perfecta a nivel técnico (incomprensible la no nominación de su director), pero carente de alma. La supuesta historia de amor es incapaz de emocionar, ni siquiera a cierta heroína de papel de estraza que cuenta las películas como si fueran telenovelas.

De igual forma, NO ES PAÍS PARA VIEJOS, una obra maestra, se adelantaba a JUNO, con la que se cubría la cuota de cine indie del año, y a MICHAEL CLAYTON, una thriller de excelente guión, y con tanta clase como su protagonista, George Clooney, también nominado.

El resto de los premios, quedaban repartidos entre los principales títulos:

El Ultimátum de Bourne: 3. Los de sonido y mejor montaje.
La Vie en Rose: 2. Al mejor maquillaje y mejor actriz principal.
Expiación: 1 a la mejor banda sonora. Oscar que, una vez más, se le escapaba al español Alberto Iglesias. Hace dos años, ambos compositores compartieron nominaciones por El Jardinero Fiel y Orgullo y Prejuicio, respectivamente.
Pozos de Ambición: 2. A la mejor fotografía y el mejor actor principal. Merecidísimo el de una fotografía que bien podría formar parte de ese Museo del Petróleo en cuyas fotografías se inspiraron los diseñadores de producción de esta película para recrear la época de principios del siglo XX.
Ratatouille.- 1. A la mejor película de animación. Una historia cuyo guión orginal también estaba nominado.
Michael Clayton: 1, a la mejor actriz de reparto. Impresionante actuación en medio de un montaje caprichoso, que constituye otro de los atractivos de esta cinta.
Juno.- 1 para Diablo Cody, la chica blogger, la guionista revelación en Estados Unidos. Para mí, el único oscar cuestionable.

Con lo cual, llegamos a la conclusión de que los actores europeos han logrado conquistar el corazón del cine americano, y de que éste es el año de los Coen, a quienes ya les iba tocando. Y bien que me alegro.

LAS OPINIONES DE ORSON WELLES

PARA RAMÓN.
Mi querido amigo, futuro periodista: espero que disfrutes con estos comentarios tanto como lo hice yo el día que los descubrí. Desde entonces, no puedo evitar estar trajando, ir caminando por las calles, estar parada en un semáforo mientras conduzco... y sonreír cada vez que los recuerdo.
Estas opiniones están extraídas de Kenneth Tynan, Playboy Interwiews: Orson Welles, 1967.

SOBRE LOS CINEASTAS FRANCESES DE LA NOUVELLE VAGUE
Preguntado que qué piensa de ellos, él contesta:
"¡Me gustaría mucho ver sus películas! No he ido a ver a la mayoría de ellos por miedo a que puedan inhibirme. Cuando filmo una película, no me gusta referirme a otras; me gusta pensar que estoy inventándolo todo por primera vez.

SOBRE ANTONIONI
Se le pregunta sobre la impresión que le producen las películas de este director. Él responde:
"Según los jóvenes críticos americanos, uno de los grandes descubrimientos de nuestra época es el valor del aburrimiento como tema artístico. Si esto es cierto, entonces Antonioni merece figurar entre los pioneros de esa tendencia, con el título de padre fundador. Sus películas son un telón de fondo perfecto para modelos de alta costura. Quizá no existen telones de fondo tan perfectos si siquiera en Vogue, pero deberían parecerse a esas películas. Deberían contratar a Antonioni para diseñarlos".

SOBRE FELLINI
"Tiene talento, como todos los que hoy en día hacen cine. Su límite- que también es la fuente de su encanto- procede del hecho de que es, fundamentalmente, muy provinciano. Sus filmes representan el sueño de la gran ciudad que alimenta un chico de provincias. Sus sofisticaciones funcionan porque las ha creado alguien que no es sofisticado. Sin embargo, a menudo se acerca peligrosamente al artista superlativo que tiene muy poco que decir".

SOBRE INGMAR BERGMAN
"No comparto ni sus intereses ni sus obsesiones. Me es más extraño que un japonés.

SOBRE LOS CINEASTAS AMERICANOS CONTEMPORÁNEOS Y SOBRE ALFRED HITCHCOCK (AÑO 1967)
"Stanley Kubrick y Richard Lester son los que más me atraen, dejando aparte a los viejos maestros. Con esto quiero decir John Ford, John Ford y John Ford. No considero a Alfred Hitchcock un cineasta americano aunque haya trabajdo en Hollywood todos estos años. Me parece terriblemente inglés, en la mejor tradición de Edgar Wallace, y poco más. Siempre hay algo anecdótico en su trabajo: sus artificios siguen siendo artificios, poco importa su maravillosa concepción y puesta en práctica. Honestamente, creo que Hitchcock es un cineasta cuyos filmes no suscitarán ningún interés dentro de un siglo. En el mejor Ford, el fim vive y respira un mundo verdadero, aunque hubiera podido escribirlo Mamma Machree. El mundo de Hitchcock es un mundo de espectros."

SOBRE CAHIERS DU CINÉMA Y EL CINE COMO UN ARTE
"Hablo con Cahiers du Cinéma de cine en general porque les estoy muy agradecido por haber valorado mis películas. Cuando quieren someterme a uno de sus grandes debates intelectuales, no soy capaz de negarme. Pero todo eso es una ficción. Soy un impostor: he llegado incluso a hablar del "arte del cine". Nunca hablaría de eso con mis amigos: preferiría que me sorprendieran sin calzoncillos en mitad de Time Square."

Quedáis todos invitados a comentar estas opiniones. Sin duda alguna, las de un GENIO.

POZOS DE AMBICIÓN

Leer critica de Pozos de ambición en Muchocine.net

Considerada por un amplio sector de la crítica como la mejor película de 2007, “Pozos de Ambición” es, técnicamente, una obra de arte que se decanta por un arriesgado planteamiento narrativo. Un atrevimiento que, en cine clásico, solía funcionar.

FICHA DE LA PELÍCULA:
TITULO ORIGINAL There Will Be Blood
AÑO 2007
DURACIÓN 158 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Paul Thomas Anderson
GUIÓN Paul Thomas Anderson (Novela: Upton Sinclair)
MÚSICA Jonny Greenwood
FOTOGRAFÍA Robert Elswit
REPARTO Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Kevin J. O'Connor, Ciarán Hinds, Russell Harvard
PRODUCTORA Miramax Films / Paramount Pictures

8 nominaciones a los Oscar: Mejor película, director, guión adaptado, actor principal (Daniel Day-Lewis), fotografía, montaje, dirección artística, efectos sonoros. Asociación de críticos de Los Ángeles: Mejor película, mejor director, mejor actor (Daniel Day-Lewis). 2008: Festival de Berlín: Oso de Plata al mejor director



Pocas veces un argumento que se extiende a lo largo y ancho de ciento interminables cincuenta y ocho minutos, se pudo resumir en tan sólo cuatro palabras: “Retrato del envilecimiento humano”, dejando abonado el terreno a los críticos con vocación filosófica, que les obsequiarán con un tratado –inolvidable, por tedioso- sobre la codicia humana, las finalidades que no justifican los medios, los objetivos inalcanzables que se acaban materializando y no satisfacen, el importante papel de la Iglesia en la historia del fascinante oeste americano, o el inevitable enfrentamiento entre dioses religiosos y humanos que, amparados en la ignorancia y la buena voluntad de los que les creen, sólo buscan su triunfo personal. Quienes, por fortuna, no apuntamos todavía hacia esa virtud metafísica, intentaremos cumplir con la primera regla que descubrió la filmografía de otro dios (éste, del cine, Wilder de apellido), que no era otra que la de “no aburrir”. Valioso principio que, en el planteamiento número veintinueve, olvida la película que hoy comentamos.

Y es que Pozos de Ambición es el proyecto del planteamiento eterno, de la exposición continuada que, en sus cuatro tiempos narrativos, no halla desarrollo ni ofrece desenlace. En todos ellos, -a los que llamaremos los planteamientos de 1898, 1902, 1911 y 1927-, se observa un cuidadoso abordamiento, continuado por la persecución inútil que intenta inmortalizar el momento presente, en beneficio de un detallismo innecesario que imprime ese característico ritmo irregular de la acción, y culmina en el mencionado planteamiento infinito. En realidad, estamos hablando de la elección de un estilo narrativo inadecuado –por difícil y arriesgado-, que, a falta de grandes acontecimientos y de una evolución planificada, deja caer el peso de la trama sobre los hombros de los personajes, entrando en ese terreno pantanoso del que sólo los grandes dialoguistas clásicos supieron salir airosos. Se trata, en definitiva, de una narrativa peligrosa que, sin concesiones, suele desembocar en una obra maestra (y aquí podría citar a Huston) o en el tremendo aburrimiento con el que nos encontramos.



El error podría extraerse de la mezcolanza que se genera entre las crónicas de la época, los retazos de la biografía de un magnate petrolífero real, y la adaptación libre de las primeras ciento cincuenta páginas de una novela. El resultado, cuatro párrafos dispersos que justifican la nominación del montaje que intenta recomponerlos, y la añoranza de las cuatrocientas páginas restantes, en las que, seguramente, se desvela la historia que se decidió no contar. Por su enfoque, suponemos que cercana a la mítica Gigante de George Stevens (con la que comparte escenarios naturales), o a la olvidada Oklahoma año 10 de Stanley Kramer.

El desaguisado (no imagino un eufemismo mejor) se compensa con una dirección técnica perfeccionista, en la que un buen número de impresionantes planos memorables, de encuadres perfectos y dimensiones milimétricas, configuran verdaderas composiciones pictóricas. Una depurada estética, de precisiones desenfocadas y suaves retimes, que terminan mostrando la talentosa faceta del Anderson realizador, no alcanzada por el Anderson guionista.

Otros aspectos técnicos de especial relevancia proceden de la meticulosa fotografía de Robert Elswit, (responsable de Buenas Noches y Buena Suerte de George Clooney), digna de pertenecer a ese Museo del Petróleo en el que se inspiraron los diseñadores de producción, y de la encomiable dirección artística. La banda sonora, por su parte, tachada de insólita y experimental, partitura climática del guitarrista de Radiohead que se adelanta a los acontecimientos y realza la locura del oro negro, no cumple con su cometido de acompañar; erigiéndose en personaje central de la trama y llegando a torturar los sentidos en no pocos momentos del metraje.

Un nuevo desaguisado (y sigo sin encontrar un vocablo más acertado) que vuelve a ser solventado por la propuesta de casting. Frente a un correcto secundario interpretado por Paul Dano, -con el que tan mal se porta el proceso de caracterización que, quince años después, le hace aparecer con los mismos granos faciales propios de la adolescencia-, se encuentra el insuperable Daniel Day Lewis, el actor más representativo de su generación. Este papel, que podría valerle un nuevo Oscar, no permite ninguna duda sobre ese enorme potencial interpretativo que le otorga el calificativo de “estrella”. Mas toda estrella (recuérdese siempre a Marlon Brando) correo el riesgo de sobreactuar si no es estrechamente vigilada por una marcada personalidad en la dirección de actores. En caso contrario, la película deja de ser del cineasta que la firma, para ser poseída por el personaje que le da la vida; y, en este sentido, es posible que dentro de una década, Pozos de Ambición sólo sea recordada por él.



En un balance final, entendiendo el conjunto como una obra de arte técnica que no encuentra correspondencia en la narración, nos quedamos con la escena que representa la explosión de una de las torres de perforación; con la filmación Kubrickiana del silencio; y con la no inclusión del aclamado director de Magnolia dentro de mi santoral cinéfilo.

MI PRIMERA ENTREVISTA

¡Qué ilusión!, ésta es la primera entrevista que concedo en mi vida a un medio de comunicación. Me la hizo el señor Pons en la kdd de críticos y es para un programa de radio. Una pena que ese programa no pueda contar con mi preciosa voz.... También se publica en www.terrorynadamas.com y en www.disemdi.com. Y qué rabia que no me preguntara Andrés por el cine de terror, que es uno de mis géneros favoritos...

Por cierto, este año no comentaré los Oscars por una radio local. La experiencia del año pasado fue inolvidable, por agotadora. Este año descansaré, y me comprometeré para el próximo, Dios mediante. Si tengo tiempo en esta semana (que no sé yo), prometo hacer una quiniela y realizar algunos comentarios sobre el evento más importante del cine. Ya veremos...

En fin, ahí va la entrevista.... (SCAR=yo)

AP ¿Cuánto tiempo lleva en el mundo de la crítica cinematográfica?

SCAR: Empecé a escribir en un diario de Albacete en junio de 2006. Hasta entonces, algo había hecho para algunos foros, pero nada tan en serio. Vamos, que llevo poco tiempo en esto, y que, continuamente, estoy aprendiendo.

AP: ¿Qué tal fueron los comienzos?

SCAR: A mí me daba miedo comprometerme con el periódico. Pensé que llegaría un momento en el que no tuviera nada que decir, y en el que mis comentarios empezaran a ser repetitivos, que fue la sensación que el Sr. Garci explicaba en “Latir de Cine”. Ese miedo no ha desaparecido, pero ya no veo las películas como una amenaza que me puede dejar bloqueada, sino como un mundo maravilloso por descubrir, y en el que, posiblemente, pueda aportar una visión nueva.

AP: ¿Sus clásicos favoritos?

SCAR: Esta pregunta es fácil. Me quedo con los directores que fueron grandes guionistas: Wilder, Mankiewicz; y con los genios que siempre se hicieron notar tras las cámaras: Kubrick, Welles.

AP: ¿Qué filmes le atraen de la actual cartelera? ¿Cuáles son sus favoritos para el oscar?

SCAR: No está mal la cartelera, de momento. Están llegando las películas nominadas, y la calidad es notablemente superior a lo que estamos acostumbrados a ver y a criticar. En líneas generales, pienso que el gran mal del cine contemporáneo son los guiones que llegan a la pantalla sin haber sido suficientemente elaborados y revisados. En este sentido, se añoran aquellas historias del cine clásico que rozaban la perfección. En cuanto a los Oscar.. con directores como Ridley Scott, Tim Burton o Joe Wright fuera, no dudo en apostar por los hermanos Coen. También en cuanto a mejor película se refiere.

AP: Háblennos de su blog

SCAR: Mi blog se abrió con una única finalidad: guardar mis trabajos para que no se perdieran. Nunca me ha preocupado tener los mejores enlaces (que no los tengo), ni la mayor información, ni el formato más innovador. No es ni más ni menos que una recopilación de críticas de cine –mis críticas- en las que, de vez en cuando, se añade algún comentario que no tendría cabida en las primeras.

AP: ¿Sus directores favoritos?


SCAR: Siempre he tenido debilidad por Oliver Stone. Le debo tantas emociones, tantos debates hasta el amanecer... Tampoco me han dejado indiferente los Coen, para bien o para mal, y creo que Joe Wright puede dar grandes momentos al cine del futuro. Otros directores que no suelen defraudarme son Steven Soderbergh y Fernando Meirelles; y, por supuesto, me sigo quedando con los Grandes, que para mí son Spielberg y Scorsese. Y con el más Grande, ese cineasta del que no puedo hacer ninguna crítica porque pierdo el sentido más mínimo de la objetividad: Don Pedro Almodóvar.

AP: Cuéntenos un poco las colaboraciones realizadas tanto a nivel virtual como medios escritos. ¿Cómo surgieron?


SCAR: Un periódico de Albacete buscaba un crítico de cine local, alguien de la ciudad, y tuve la suerte de ser la elegida. Aun así, me dio miedo (hablo en serio) y pospuse el proyecto durante todo el tiempo que pude. Al final, me lancé con El Códido Da Vinci. Realizo una crítica de una película de estreno a la semana, en una sección maravillosa (muy bien maquetada) en la que figura mi nombre. Ése es la mayor de las compensaciones. A nivel virtual, colaboro actualmente con Muchocine.net, una revista que tiene mucho que decir, y en la que estoy muy a gusto.

AP ¿Cuál es la esencia de una buena crítica?

SCAR: Supongo que la misma que Billy Wilder tenía del cine: no aburrir, huir de las historias conceptuales de Antonioni, jajajajaja. Creo que hay que saber llegar al lector cinéfilo de manera clara y directa, y siempre anteponiendo los criterios cinematográficos objetivos a los gustos personales. Un aspecto que no siempre es fácil, pero que merece la pena intentar.

AP: Eso es todo, le agradezco el tiempo prestado y espero que siga muchos años al pie del cañón.

SCAR: Muchas gracias. Un placer.

HISTORIA DE UN DETECTIVE. Edward Dmytryk, 1945.

FICHA DE LA PELÍCULA:

TITULO ORIGINAL Murder, My Sweet
AÑO 1945
DURACIÓN 95 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Edward Dmytryk
GUIÓN John Paxton (Novela: Raymond Chandler)
MÚSICA Roy Webb
FOTOGRAFÍA Harry Wild
REPARTO Dick Powell, Claire Trevor, Anne Shirley, Otto Kruger, Mike Mazurki, Miles Mander, Douglas Walton, Don Douglas
PRODUCTORA RKO


Es curioso cómo, para bien o para mal, un filme puede quedar sentenciado en los primeros minutos de proyección. Sentenciado por parte del espectador crítico y exigente, entre los que creo encontrarme. En este sentido, recuerdo haber tenido uno de mis mayores flechazos positivos con un plano inicial en el que, desde el cenit de la visión de la cámara, unas cuantas manos y unos sombreros de ala ancha discutían bajo la intensa luz del flexo solar. Desde ese momento, supe que no me encontraba ante una película cualquiera.

Harry Wild, una de las insignias de la fotografía del cine negro junto a otros nombres como Nicholas Musuraca y James Wong Howe y responsable de fotografías de clima y obsesión como Una aventura en Macao, de Josef Von Sternberg o La mujer en la playa, de Jean Renoir, se hace cargo de las luces y sombras de esta historia, dirigida por un hombre ducho en los terrenos del expresionismo urbano al que nos condenaron todos los relatos de crímenes extraídos de los salones de té por autores de la talla de Dashiell Hammett, Raymond Chandler o Ross McDonald.

Las mujeres, retratadas con la mayor luminosidad posible dentro de la oscuridad de la que emergen sus apariciones, son misterios envueltos en enigmas dentro de acertijos que sólo un tipo de honradez incorruptible es capaz de descifrar. En este género, difícil de delimitar entre las fronteras áridas y oblicuas de la maldad humana, se dan cita las féminas equívocas junto a un enredo permanente de nombres que, relegando al propio argumento y haciendo que, por momentos, deje de interesar, apuestan por el presente inmediato de la narrativa técnica. Los tintes claroscuros de la fotografía, la cuidada planificación con picados, contrapicados, grandes angulares y profundidades de campo, serán la impresión precisa que remarque las peculiaridades del mundo mostrado. La técnica al servicio de la narrativa. La narrativa que se ve realzada por la técnica. El origen de ese concepto que es la narrativa técnica, y el equilibrio perfecto que tantas veces he buscado, sin hallar, en tantos otros géneros.

Wild, bajo las órdenes de Dmytryk y de otros pocos afortunados, fue uno de los representantes más importantes de un cine que se encarga de retorcer sus guiones hasta exprimir el jugo de nuestras más inocentes preocupaciones. No hay cabida para la intuición, y todos los pronósticos suelen fallar, ¿quién se atreve a aventurar lo que puede pasar a continuación si no ha podido asimilar todavía lo que ha pasado un instante antes?. Los ojos de los héroes, escondidos en sombreros de ala ancha, no nos darán la solución. Sus cuerpos, cubiertos de gabardinas, uniformes distintivos de los que luchan contra la mezquindad, parapetados tras una trinchera, impermeable a la refinada perversión de la mente humana a la que se ven obligados a asistir como espectadores con el percutor siempre dispuesto a disparar.

Por estos componentes, “Murder, My Sweet”, nuevo misterio para Philip Marlowe y gran éxito para la RKO, fue considerada por la Nouvelle Vague como el prototipo de película de cine negro, en la que se dan cita todos los elementos arquetípicos del género.

Este proyecto le llegó a Edward Dmytryk en 1945; en esa época anterior a su acusación y posterior encarcelamiento por parte del Comité de Actividades Antiamericanas del Senador Joseph McCarthy, en la que pudo realizar grandes obras de carácter personal que, dentro de la misma disciplina de los estudios, le elevó a la categoría de autor en ciernes. Después de ese triste episodio y de dieciséis meses en la cárcel, Dmytryk decidió declarar ante el Comité, lo que supuso una liberación que le permitió seguir trabajando; y aunque aún tuvo títulos de relevante interés como la excepcional El motín del Caine, su carrera derivó por derroteros mucho más comerciales, eso sí, incluyendo en todas sus historias algún personaje que, sin venir al caso, tenía un brazo roto, o una pierna lesionada o le faltaba algún miembro, símbolo personal del director como metáfora de la mutilación moral que sufrió al dar el paso de la terrible delación.

En Historia de un detective, la maldad se presenta en todas sus facetas a través de un universo de oscuridad, de sombras sugeridas, de disparos que queman con su pólvora en el alma, del intento desesperado por preservar la dignidad de quien, sin más quimera que su honestidad, intenta desentrañar de la tierra las mismas raíces del mal.

No cabe duda de que no siempre los remakes de películas de altura son una buena idea, pero en este caso sí que cabe mencionar la excelente versión que en los años 70 realizó Dick Richards con “Adiós, muñeca” (Farewell my lovely, 1975), climática adaptación, llena de humo en los ojos y colores propios de las colinas de Los Ángeles, de una historia que no hace más que demostrar con cuánta facilidad podemos enamorarnos de la persona equivocada.

Diario de un crítico de cine

No falla. Cuando la gente se entera de que escribo críticas de cine, siempre me “sorprende” con los mismos comentarios. O me pregunta por una película yugoslava de 1954, o pide mi opinión sobre la penúltima actuación de Jean Claude Van Damme. En ambos casos, con todos mis respetos y la mejor de mis sonrisas facilonas, les explico que nada sé de la primera ni he tenido el gusto de seguir la trayectoria profesional del segundo, lo cual provoca que el interlocutor se aleje de mi lado con la convicción absoluta de que “esta tía no tiene ni puta idea de cine” escrita en el rostro.

También me hacen mucha gracia los conocidos que se han erigido en críticos de mis críticas, y me llaman para decirme que cómo he podido escribir que Keira es una mala actriz o “Soy Leyenda” una buena película. Caigo entonces en la cuenta de que debo de escribir muy mal, porque no recuerdo haber hecho ninguna de esas afirmaciones. Keira es técnicamente perfecta, pero con una bajada alarmante de ClNa en sangre –es decir, sosa, para mi gusto-, aunque he reconocido que la mala fotocopia de Natalie Portman algo debe de tener, como el agua, cuando la bendicen, aparte de hidrógeno. Sabemos que el hidrógeno es la energía del futuro y que Keira es, por lo tanto, una de las mejores actrices de su generación. Los gustos personales son otra cosa, a mí no me gusta, pero ello no es óbice para reconocer sus cualidades interpretativas, que son muchas y muy variadas. ¡Qué manía con eso de quedarse siempre en el árbol que impide ver el bosque....!
Con respecto a “Soy Leyenda”..... bueno, hay un hecho irrefutable y es que es una de las mayores superproducciones de los últimos tiempos, que no ha escatimado ni profesionales ni medios... y eso se nota. Por lo demás, puede gustar más, menos o nada (a mí me encantó), pero era necesario recalcar esos puntos importantes, esa forma de entender el cine que tiene la industria norteamericana que tanto hemos mamado.

Luego están los que se sienten ofendidos por mis comentarios. ¿Los hay?. Los hay. Los señores que, en una cafetería, dan golpes al periódico mientras se lamentan de que “ese señor sea un indocumentado”. Que nunca he entendido yo lo que quieren decir con esa palabra, si se refiere a falta de documentación que me acredita como miembro de una comunidad determinada, o a falta de información que me hace escribir absolutas tonterías. Lo de “señor” sí que lo entiendo. Firmo mis artículos con mis iniciales, y eso suele confundir al lector. Lo que me extraña es que lo de señor no se convirtiera en “el mierda éste” que dice que hace poco, poco tiempo, en este país “la gente de bien” tenía potestad sobre la vida y la muerte de los seres humanos. ¿Qué mentira o tontería había dicho?. De lo que no me cabe ninguna duda –de lo anterior tampoco- es de que estos señores jamás volverían a leer al rojo insolente que se posicionó al lado de un terrorista llamado Salvador Puig Antich.

Una pequeña anécdota que me llegó por terceras personas y que es superada por la amable epístola que la Iglesia Evangélica me hizo llegar, en la que me invitaba a conocer la figura de Lutero. Tan sólo había escrito que Lutero, en efecto, no es el hereje que durante siglos nos hizo creer la Iglesia Católica, pero que tampoco pudo ser el ingenuo que mostraba una coproducción europea de 2005. Claro que, no sabía yo que los evangélicos habían adoptado ya la película como una segunda biblia.

Los más allegados, los que saben que soy una tía rara que siempre ha preferido quedarse en casa a ver una película antes que salir a tomar unas copas, no se extrañan de nada, pero sí me recriminan un estilo literario “complejo” y repleto de frases largas. Entre ellos se encuentra Ana, diciéndome que debería leer más a Miguel Delibes, y a ver cómo le explico yo que los estilos literarios son imposibles de copiar, por mucho que hayas leído a un autor. Al menos, a mí me lo parece, por eso me da tanta rabia leer palabras en otras críticas.... ¡¡que son mías!!. Un día de éstos empezaré a escribir en albaceteño puro, en ese dialecto que sólo Ernesto Sevilla y Joaquín Reyes entenderían. Me gustaría ver los resultados. Bueno, ya lo intenté en “Volver” de Pedro Almodóvar. Algún día rescataré ese artículo para insertarlo en este blog. Creo que no está.....

Y esta noche tenemos reunión de críticos de cine de internet, o lo que es lo mismo, kdd en Madrid de los críticos de muchocine.net. Madre mía.... y qué poquito me apetece recluirme en un tren durante dos horas y media para llegar con el tiempo justo a la capital de España........ uffff, yo que soy una persona con la que tan bien se explica el principio de la inercia. Ojalá los pudiera reunir a todos en el salón de mi casa para no tenerme que mover. Allí estarían Iván Villamel, con el que tan bien se discute, Iván Muñoz, con el que es imposible discutir, Plissken que es un encanto, Rafa que tan pronto pierde los nervios, y mi queridísimo Tito. Es curioso lo rápido que conecté con él.

Bueno, Dios mediante, allí nos veremos, sólo que Rafa no estará (y además me acusa de no poder asistir), los Ivanes están en Barcelona y en Sevilla, respectivamente..... y Tito y Plissken se irán pronto a casa. Ya veremos....

Por cierto, ¿?, ¿qué camiseta llevará Tito en esta ocasión?



Otro por cierto: este finde no podré ir al cine. Mala noticia para mi próxima crítica semanal..... o no.

NO ES PAÍS PARA VIEJOS

FICHA DE LA PELÍCULA:
TITULO ORIGINAL No Country for Old Men
AÑO 2007
DURACIÓN 122 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Joel Coen, Ethan Coen
GUIÓN Ethan Coen, Noel Coen (Novela: Cormac McCarthy)
MÚSICA Carter Burwell
FOTOGRAFÍA Roger Deakins
REPARTO Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Woody Harrelson, Josh Brolin, Stephen Root, Kelly Macdonald, Garret Dillahunt
PRODUCTORA Miramax Films / Paramount Vantage / Scott Rudin Productions

NOMINACIONES Y PREMIOS:
2007: 8 nominaciones a los Oscar: Mejor película, director, guión adaptado, actor de reparto (Javier Bardem), fotografía, montaje, sonido, efectos sonoros. 2007: Globos de oro: Mejor guión, mejor actor secundario (Javier Bardem); Junta Nacional de críticos de EE.UU.: Mejor Película. 2007: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película, mejor dirección, mejor guión, mejor actor secundario (Javier Bardem).

Leer critica de No es país para viejos en Muchocine.net

Un ejercicio cinematográfico de primera magnitud. Los Coen apuestan por un western moderno que sustituye los cuatreros de antaño por los narcotraficantes actuales, con un realismo brutal heredado de un director salvaje y con la creación de un personaje que ya forma parte del imaginario popular.

Una moneda acuñada en 1958 rueda durante veintidós años para ser testigo de la brutal sinrazón que azota una tierra que siempre fue hostil. La antigua generación, que añora los tiempos en que los sheriffs iban desarmados y el aire comprimido sólo se utilizaba para sacrificar ganado, se queda a oscuras ante unos hechos que no encajan en la cuadratura de la mente humana. Matar por matar permite al destino aplicar su peculiar ética, en un ambiente de violencia en el que la codicia es la excusa y no la justificación de un reguero de sangre. Cuando se adopta esta forma de vida, ningún país se antoja apto para viejos.

Personalmente, “ni entiendo los intereses ni comparto las obsesiones” de un argumento que “me es más extraño que un japonés”, aunque resulta curioso recordar la opinión con la que Orson Welles definía a otro cineasta, para describir una película de los Coen. Quizás se deba a una extraña asociación de ideas que reconoce la evolución de la genialidad: desde un director, Welles, al que le gustaba pensar que estaba inventado todo por primera vez y rechazaba referirse a otras películas, hasta llegar a quienes basan su filmografía en la incursión por diferentes universos cinematográficos, para regalar al espectador la ilusión de estar siempre asistiendo al nacimiento de un género nuevo.



Basada en una novela del escritor Cormac MacCarthy, que los Coen no tardan en llevar a su terreno, la historia se ubica en la evocadora frontera de Estados Unidos con México en la que tuvieron lugar las grandes gestas de los werterns clásicos, -Los Profesionales, Grupo Salvaje-, para acercarse a la línea temática desarrollada en Fargo y en Un Plan Sencillo de su amigo y colaborador Sam Raimi, que no es otra que la ambición de la naturaleza humana, sintetizada en una ranchera popular: “Quisiste volar sin alas, quisiste rozar el cielo” con la que los mariachis obsequian a uno de los protagonistas. Nos encontramos, sin duda alguna, con uno de los mejores guiones de los últimos años, que será ejecutado con la precisión y la perfección de un estilo propio que tantas veces ha demostrado no deber nada a nadie, pero que, en su planificación especialmente realista, recuerda la brutalidad de un director salvaje, Sam Peckinpah.

La cuidada fotografía, -con el sello inconfundible de la Casa Coen-, encargada de recrear las impresionantes vistas panorámicas destinadas a entrar en la colección de lujo de la Historia del Cine, da paso a una correctísima composición de escenarios que enmarca la presentación de los personajes. Destacando en el proceso la excelente medición de los tiempos y la adecuada utilización de las voces en off, que, por perfectas, resultan inusuales en el cine contemporáneo. Destacando también el detallista montaje que hace coincidir el conducto de ventilación de un motel con una carretera, y el ritmo inapreciable de la narración que, en un “impás” eterno, propicia la creación de un ambiente en el que el más insignificante de los planos es tratado con absoluta exquisitez. Entramos en ese mundo de símbolos que caracterizó a los cineastas clásicos, en el que cada escena era concebida para ser rodada como si fuera la más importante de la película. Recuérdese el encuadre en las punteras de unas botas que levantan el polvo al caminar, el plano subjetivo que recoge las manos ensangrentadas en un lavabo, la mirada perdida del psicópata que “no tiene por qué hacerlo” pero que ha de concluir su inacabada misión macabra, la silueta de una perturbadora figura que se refleja en la pantalla apagada de un televisor, la clásica sombra del sheriff que, emulando al John Wayne de la vieja escuela, se proyecta en la pared. Recuérdense y disfrútense todas estas imágenes, porque, lamentablemente, no son habituales ni esa peculiar manera de dirigir ni esa otra de entender el cine como un arte. El tanto monta, monta tanto por el que Ethan explicaba que “dirigimos los dos, pero es Joel el que da la cara para no confundir a los actores”.




Hablando de confusión, el lector cinéfilo deberá estar preparado para asistir al momento en el que, en ese juego interminable de perseguidores y perseguidos, la estructura narrativa parece fallar y, aun estando en la sala de proyección, siente la tentación de rebobinar la cinta para averiguar en qué momento exacto se ha perdido. Piense entonces que ésta es otra marca de la Casa Coen, que este moderno western es, en realidad, un thriller (Sangre Fácil), que traspasa las difusas líneas del género “noir” (Muerte entre las Flores), en el que ambos hermanos se sienten tan cómodos. O simplemente piense que, durante todo el metraje, ha estado siguiendo la trama equivocada que le marcaban los efectos de sonido, anteponiendo una historia más de la nueva ola de violencia que se manifiesta en el país a principios de los años ochenta, al eje central del argumento que da título a la película.

Hablando de actores, no dejen de visionar la Versión Original para poder apreciar cómo el acento dulzón de Javier Bardem (suponemos que tan intraducible como su propia dicción en castellano) confiere una nueva dimensión, todavía más escalofriante, al personaje con el que, muy merecidamente, ganará el Oscar.... porque lo ganará, sin necesidad de recurrir al “cara o cruz”.

JUNO

Una nueva Cenicienta llamada al baile de los Oscar. Sus hadas madrinas, dos referencias recientes en la producción de Crash y el guión de la pequeña Miss Sunshine. Sus armas para conquistar: la actuación de Ellen Page y la revisión de las comedias dramáticas de buenas intenciones.

FICHA DE LA PELÍCULA:

TITULO ORIGINAL Juno
AÑO 2007
DURACIÓN 92 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Jason Reitman
GUIÓN Diablo Cody
MÚSICA Kimya Dawson, Matt Messina
FOTOGRAFÍA Eric Steelberg
REPARTO Ellen Page, Michael Cera, Jennifer Garner, Jason Bateman, Olivia Thirlby, J.K. Simmons, Allison Janney, Rainn Wilson
PRODUCTORA Fox Searchlight Pictures



El Otoño de los Flashbacks y las Voces en Off:

Parece ser que el director y guionista de “Gracias por Fumar” no quiere faltar a las más novedosas técnicas del cine contemporáneo. A veces da la sensación de que a muchos de los cineastas de nueva hornada, incluso a los que se han criado entre cámaras como él, se les olvida (si alguna vez lo supieron) para qué surgieron y cómo se utilizan los mencionados inventos. En el caso que nos ocupa, los primeros –los, afortunadamente, relampagueantes falshbacks- resultan insultantemente repetitivos, con un acercamiento peligroso a la descripción gráfica de personajes que Todd Field intentara en Juegos Secretos y que, según el criterio de quien comenta la película, sólo funcionó bajo la dirección de Vicente Minelli en Un Americano en París. Las segundas, las voces en off, son empleadas a modo de apuntes en blog de serie de televisión, como no podía ser de otra manera conociendo el currículum de la novelista. Y es que basta con una lectura somera de la trayectoria profesional de la Sra. Diablo (guionista de moda en USA, descubierta por un productor cinematográfico
mientras hacía sus pinitos literarios por internet) para replantearse seriamente el darle puerta al 190 y tomarse en serio eso de escribir. Sólo que, de momento, no sé yo cómo se aborda una historia de corte social para no decir nada.




El Invierno de las Buenas Intenciones:

En Juno, -diosa de la maternidad en la mitología romana y, desgraciadamente, muy alejada de la Poderosa Afrodita de Woody Allen-, no sólo no hay espacio ni lugar para ensalzar a las susodichas, tampoco para enfocar la problemática derivada de los embarazos adolescentes, ni para establecer aproximaciones ni conexiones con la situación de los matrimonios infértiles, ni aun para hacer prevalecer los derechos fundamentales del menor, objetivo prioritario de cualquier sociedad civilizada; entrando, en su defecto, en un universo irreal de buenas intenciones que nunca fueron tan poco cuestionadas. Un hecho, a todas luces, reprochable a la moderna crítica americana, a la que en otros tiempos de similar ausencia de criterio no le tembló el pulso para tachar de ingenuo a Frank Capra, abogado de la bondad inherente al ser humano en una época en la que todos los pensamientos bienintencionados sabían a poco para paliar los efectos de la Gran Depresión. En 2007, fecha de la presente producción, la única depresión pendiente de superar procede del asombro que provoca
la obsesión del cine americano por incluir películas independientes de bajo presupuesto en las nominaciones, eliminando injustamente de la colorada alfombra del Kodak Theatre a grandes guiones como el de American Gangster, o a directores de la talla Tim Burton o Ridley Scott.



La Primavera de las Comedias Clásicas Americanas:

La nueva Cenicienta llamada al baile de los Oscar competirá con una pretendida revisión de las comedias clásicas americanas, perdiéndose en un planteamiento desdibujado que persigue y no consigue la sátira social, emulando los diálogos rápidos y punzantes de la screwball-comedy, y hasta con la intención de ridiculizar a los personajes masculinos como hiciera el cine de Howard Hawks. La diferencia está en que en éste era necesaria la creación de situaciones especiales encaminadas a tal fin, mientras que en Juno, los chicos ya son ridículos de serie. Frente al carácter independiente de las féminas que se mueven a golpe de música “indie”, capaces de tomar decisiones responsables incluso con dieciséis años, se encuentran el inmaduro futuro padre adoptivo, recluido en una caja de recuerdos, y el joven deportista que pregunta si un embarazo es eso que les ocurre a las mamás y a las profesoras. Anda que....menudos ejemplares.

Si en un gesto de buena voluntad (y considerable esfuerzo) el espectador decide adherirse al mensaje optimista que motiva las acciones de la trama, y se deja arrastrar por el espíritu positivo de una comedia romántica sin más pretensiones, no tardará en descubrir que el guión, típicamente americano, alterna diversos comentarios de indudable ingenio, encaminados a sonsacar una leve sonrisa, con un sinfín de chistes extraídos de las peores galas de Billy Crystal. Ésos y ésas en los que un animado público (americano) aplaude entusiasmado, mientras que esta albaceteña se queda como estaba; para poner la guinda con esa tendencia maliciosa de los estadounidenses a mofarse de otras culturas. Es difícil que una sociedad que se anuncia en los periódicos para ser padres llegue a entender que en China no se regalan niños como si fueran ipot. Si, por el contrario, alguien intenta reparar en el eje central del argumento, caerá en la cuenta de que lo que allí llaman “adopciones privadas”, ¿sin regulación gubernamental?, y posible compensación económica, se parece sospechosamente a una compra-venta de cachorros, impensable en el país asiático objeto de la burla.



El verano de una gran interpretación:

A pesar de los pesares enumerados, es innegable que la cinta consigue transmitir ternura y calidez desde los llamativos títulos de crédito, realzando las relaciones paterno filiares inherentes al cine de Jason Reitman, y con una lección impagable (esto es cine americano) sobre quién es una madre. Recuérdese el papel de Allison Janney y la relación que se establece entre las protagonistas. Pero, sobre todo, téngase la seguridad de que en Juno se asiste al nacimiento de una nueva estrella: la Brujita Ellen Page. No les falta razón a los críticos que ya la comparan con Meryl Streep, puesto que ambas son capaces de salvar una película mediocre, haciendo creíble un mal guión.