Cómo casarse con un millonario

CASUAL DAY

noreply@blogger.com (M.I.) — Wed, 14 May 2008 13:30:00 +0000

Interesante apuesta del cine español que, con una dirección técnica de sencilla composición, hace recaer la fuerza del entramado argumental sobre un reparto coral, amparado en diálogos brillantes, que configura un retrato de verosímiles personajes. Una idea arriesgada, que consigue el aprobado en Casual Day.

TITULO ORIGINAL Casual Day
AÑO 2007
DURACIÓN 94 min.
PAÍS ESPAÑA
DIRECTOR Max Lemcke
GUIÓN Daniel Remón, Pablo Remón
MÚSICA Pierre Omer
FOTOGRAFÍA Javier Palacios
REPARTO Juan Diego, Luis Tosar, Javier Ríos, Estíbaliz Gabilondo, Alberto San Juan, Arturo Valls, Álex Angulo, Carlos Kaniowsky, Secun de la Rosa, Mikel Losada, Malena Alterio, Marta Etura
PRODUCTORA El Deseo

Con la financiación de Telecinco y el apoyo del Ministerio de Cultura, del Gobierno Vasco y de la Junta de Comunidades de Castilla La Mancha entre otros, la segunda película del director Max Lemcke consigue ver la luz, cumpliendo un objetivo que no alcanzaba su primer largometraje, Mundo Fantástico del año 2003, que no llegaría a ser estrenado en salas comerciales. Es así como nace Casual Day, presentada por la productora de Pedro Almodóvar, y con un título importado de la práctica empresarial estadounidense destinada a fomentar las relaciones interpersonales entre los miembros que componen los recursos humanos de una gran empresa, en aras al aumento de la productividad.

Por su temática, cercana a creaciones nacionales recientes, como El Método (El Método Gronhölm, Marcelo Piñeyro, 2005) o Smoking Room (Wallovits, Roger Gual, 2002). Por su estilo irónico, extrañamente elegante y ávidamente sutil, alejada de las típicas comedias de las últimas décadas, y deudora de algunas de las historias firmadas por Rafael Azcona. En líneas generales, por su labor de difusión social, heredera del mejor cine español que, avalado por importantes originales literarios como Los Santos Inocentes (Mario Camus, 1984) o Tiempo de Silencio (Vicente Aranda, 1986), siempre fueron impagables portavoces de los diversos grupos humanos, y testigos directos de los medios hostiles que les acogían. En todos los casos, una película que invita a la reflexión sobre la deshumanización de las grandes ciudades, la vorágine del capitalismo consumista, la imposibilidad de escapar a los designios trazados por los audaces sobre los audaces que no lo son todavía, las complejas razones que llevan a aparcar las decisiones propias para acatar las impuestas y opuestas, en un otorgamiento que exhala un suspiro como única réplica. Y que a los menos profundos, en nuestra ignorancia, nos dejará la duda de si la empresa en cuestión, en la que no falta el jefe macabro de actitud paternalista, el trepa de la sexta planta, el enchufado que desaloja a la pobre chica del nivel base, el insufrible pelota que toca las narices con la lotería de Navidad cuando más trabajo tienes... tendrá algo o mucho que ver con el nombre del camión cisterna que cruza la autovía, y cuyas facturas a treinta y uno de enero animan a practicar la técnica de calefacción a vela. Sí, ésa que hiciera famosa el empleado de Mr. Scrunch de Charles Dickens.

Apetecible desde los títulos de crédito, con una agradable y bien utilizada banda sonora y un cuidado diseño de producción, Casual Day persigue los planos cortos que recogen las expresiones faciales de los protagonistas, alcanzando su único virtuosismo en el ojo verde de la siempre interesante Marta Etura emergiendo sobre los cabellos negros de la avispada Estíbaliz Gabilondo. Un encuadre fascinante, que queda en promesa al decantarse la dirección por una sobriedad que roza la sosería. Fácil es entender que el objetivo de este estilo lineal, plano, con el abuso de planos-contraplanos, que no contiene ni un solo alarde técnico ni gracia tras las cámaras, obedece al deseo de centrar la atención del espectador sobre los personajes, haciendo del guión la estrella indiscutible del rodaje, pero poco esfuerzo –o ninguno- requería intentar algún detalle para el recuerdo que obligara a salir de la monotonía que recurre sistemáticamente a repetitivos planos fijos que siempre muestran la misma imagen del caserón rural que los alberga, de los mismos arbustos de algún paraje perdido de algún lugar ¿de La Mancha?.

Con un montaje nada convincente y un reparto encabezado por ese gran señor de la escena que es el “despreciable” Juan Diego, por el “machista” Luis Tosar, el “maquiavélico” y encantador Alberto San Juan y el “insulso” Javier Ríos, que se completa con un elenco prodigioso que constituye el mayor atractivo de la cinta; el plato fuerte de Casual Day se encuentra en la historia inventada por los noveles Pablo y Daniel Remón, basado en “comentarios que solían escuchar a empleados de grandes empresas en cafeterías”. La sólida construcción de los personajes y su disección psicológica, impresionante por precisa, pronto acaban convertidas en una peligrosa arma de doble filo que amenaza la consistencia del guión al no evolucionar. Los perfiles bien definidos, el back-story perfectamente matizado con pocas pinceladas, propician un planteamiento apoteósico, un punto de arranque inmejorable que se pierde en un desarrollo tímido y sin pretensiones que parece girar sobre sí mismo sin un claro final, rehuyendo la dirección coral plena. Afortunadamente, esa falta de ilusión queda compensada en los densos y excelentes diálogos y en la creación de algunas situaciones extraídas de películas de Berlanga. Sólo hay que recordar el número de los instrumentos musicales; el numerito del oso y el madroño, en el que las justas reivindicaciones dan paso a la injusta venganza; y la visita turística que se realiza en tractor.

En un balance final, admitiendo que siempre desconfié de las intenciones silenciosas de los corredores de fondo y de los centrocampistas que proporcionan asistencias a los goleadores, me quedo con la figura comprometida de la Dama de Orleáns que, como todas las Juanas de Arco del mundo, emprende su ascenso imparable... hacia la hoguera.

88 MINUTOS

noreply@blogger.com (M.I.) — Wed, 07 May 2008 12:15:00 +0000

’88 Minutos’ viene avalada por el nombre de Al Pacino, pero lo de Al Pacino no tiene nombre al dejarse embaucar en este telefilme mediocre de rancio argumento y estética videoclipera. Demasiado actor para un producto vacío.

TITULO ORIGINAL 88 Minutes
AÑO 2007
DURACIÓN 105 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Jon Avnet
GUIÓN Gary Scott Thompson
MÚSICA Edward Shearmur (AKA Ed Shearmur)
FOTOGRAFÍA Denis Lenoir
REPARTO Al Pacino, Alicia Witt, Amy Brenneman, Leelee Sobieski, Benjamin McKenzie, Deborah Kara Unger, William Forsythe, Neal McDonough, Stephen Moyer, Michael Eklund, Michal Yannai, Brendan Fletcher, Victoria Tennant
PRODUCTORA Universal Pictures

Se supone que debe de llegar un momento en el que a los actores consagrados, que nada tienen que demostrar, poco les importa que su buena reputación se vea ligada a proyectos que no cumplen ni las más mínimas expectativas de cara al público. Sobre todo, si se trata de productos engañosos, de formas atractivas y fondos vacíos que configuran esa gran habilidad que tienen algunas películas americanas para convencer.... hasta entrar en el cine. El principal engaño de 88 Minutos, nace con las frases con las que se comercializa, que hacen olvidar el hecho de ser ésta una película que no ha tenido estreno en las salas comerciales de numerosos países, para hacer volar la memoria cinéfila hacia una producción de 1950, Con las Horas Contadas de Rudolph Maté, y llegar a la conclusión de que no es ni una mala copia de Medidas Desesperadas (Barbet Schroeder , 1997) por mucho que sus responsables se atrevan a compararla con el engranaje psicológico de los personajes de Sospechosos Habituales (Bryan Singer, 1995).

Al Pacino es un psiquiatra forense del FBI que, con uno de sus informes profesionales, consigue la pena de muerte para un asesino en serie. Nueve años más tarde, cuando son pocas las horas que faltan para ser ejecutada la sentencia, una llamada telefónica le advierte de que sólo le quedan 88 minutos de vida.

A partir de este momento, ni que decir tiene que el buen médico –esto es cine americano- se convertirá en el detective de su propio asesinato, removiendo Roma con Santiago, yendo de un lugar para el otro a un ritmo frenético –en muchas situaciones, no se sabe bien para qué- con cara de “ya no estoy yo para estos trotes”, y creando una sofisticada trama de centralitas telefónicas que consiguen poner en jaque a sus desdibujados personajes, para provocar un triple objetivo: salvar su propia vida, frenar la nueva oleada de asesinatos a los que se enfrenta la ciudad, y hacer cumplir la sentencia para el ¿verdadero asesino?.

Si la sinopsis provoca la duda por aquello de que “la cosa promete por interesante”, la respuesta es que así podría haber sido, si el director se hubiera tomado en serio el encargo. Y es que lo que más sorprende de esta historia no es el hecho de que un argumento rancio, manido, explotado, agotado, haya visto la luz. Lo realmente fastidioso es que el responsable de un producto correctísimo como es En el Laberinto Rojo (con Richard Gere, en 1997), de una aventura trepidante que marcó la infancia de toda una generación (Risky Business, 1983), y de una película inolvidable cargada de referentes y de buen gusto como es Tomates Verdes Fritos (1992); se ponga a rodar, después de más de cincuenta películas en su haber, con técnicas de vídeo-clip.

Al estudiar 88 Minutos, no cabe duda de que de las mil maneras en las que se podía haber desarrollado el guión, el reputado director y productor Jon Avnet elige la peor de todas, la que rompe la acción con numerosos y continuados flashbacks; la que llama la atención con mareantes movimientos de cámara y exagerados “zooms” que marcan al protagonista; la que abusa de primeros planos que persiguen a la gran estrella; la que recorre las calles de la ciudad al más puro estilo videoclipero con estridente música de fondo; la que se muestra insuficiente en la dirección de un televisivo reparto coral, presentándole más televisivo que nunca.

Mal asunto es que un thriller no consiga transmitir ningún tipo de angustia al espectador. Lamentablemente, el “tic, tac” de la cuenta atrás no rodada en tiempo real, presenta giros que sólo pueden ser explicados por las artes adivinatorias, ésas que ponen en la mente del personaje central el recuerdo de los personajes secundarios antes de que éstos entren en escena, convenientemente aderezados por un pertinente retime fruto de la borrachera de la noche anterior.

Sin necesidad de pedir explicaciones sobre el recurrente hidroavión que toma agua -¡a santo de qué!- unas veinticuatro veces en la primera mitad de la película, sí que convendría matizar la ridícula manera de intentar confundir al respetable: Y es que, cuando todos son sospechosos, todos son sospechosos en base a sus comentarios o a las situaciones creadas para tal fin, y no por el mero hecho de acentuar sus ojos de “malo” en inverosímiles encuadres.

Todo lo cual me lleva a la conclusión de que, en atención a aquella palabra mágica, “¡Towanda!”, que se encargó de resaltar la naturaleza de los imposibles, tan sólo deseo que la próxima película de Avnet sea rodada en algún pueblo de Albacete, en el que las coberturas de los móviles van y vienen...como las olas del mar.

¡Ya estoy en el paseo de la fama!

noreply@blogger.com (M.I.) — Fri, 02 May 2008 08:04:00 +0000

Pues sí, allí me encuentro gracias a Iván Villamel

Por cierto, coincido contigo en que este Paseo fue idea de algún productor que estaba harto de las estrellas, y que pensó que, en el suelo, todos las podrían pisar. Muy buena la ocurrencia, y muchas gracias, Iván.

DUEÑOS DE LA CALLE

noreply@blogger.com (M.I.) — Wed, 30 Apr 2008 12:37:00 +0000

Thriller policial absolutamente previsible, que consigue entretener con una acertada planificación de las escenas de acción, y mantiene la atención gracias a un historia que antepone el “viaje” al “destino”, como en los mejores filmes “noir”.

TITULO ORIGINAL Street Kings
AÑO 2008
DURACIÓN 109 min.
PAÍS USA
DIRECTOR David Ayer
GUIÓN James Ellroy, Kurt Wimmer, Jamie Moss (Historia: James Ellroy)
MÚSICA Graeme Revell
FOTOGRAFÍA Gabriel Beristain
REPARTO Keanu Reeves, Hugh Laurie, Chris Evans, Forest Whitaker, Naomie Harris, Terry Crews, Common, Amaury Nolasco, Cedric the Entertainer, Jay Mohr
PRODUCTORA Fox Searchlight Pictures / Millennium Films / Regency Enterprises / Yari Film Group

¡Qué guapo-guapísimo-guapérrimo que es Keanu Reeves!, y qué forma tan poco seria y convencional de comenzar una crítica cinematográfica que, en realidad, debería ir encaminada ¿por qué no? a desenmarañar las claves del Cine Negro, del género por excelencia, del que tantas referencias contiene para entender la Historia del séptimo arte. De un universo, fascinante para muchos cinéfilos, que tan difícil resulta de delimitar a pesar de que los eruditos en la materia se hayan encargado de enumerar sus múltiples características; a pesar de que los señores de la Nouvelle Vague indicaran un título de referencia, Historia de una Detective, que contenía sus principales elementos; a pesar de que el cineasta Coppola, en una ejemplar ejercicio de síntesis, dijera aquello de que “los secretos de los salones de té salen a la calle”. Un mundo enrevesado que suele anteponer el “viaje” al “destino”, las desventuras del detective “huele-braguetas” y los engaños a los que se ve sometido en una tela de araña en la que nada es lo que parece, al resultado final del cómo, el porqué, o el quién mató a quién. Un aspecto, este último, muy importante, que logra explicar el principal atractivo de Dueños de la Calle, por ser el motivo fundamental que salva un producto viciado desde sus orígenes.

En una precrítica, -que no es otra cosa que un “hablar por no estar callados” de una película que todavía no se ha visto-, me atreví a asegurar que éste sería el claro ejemplo de un excelente argumento (la historia pertenece al creador de L.A. Confidential y guionista de La Dalia Negra) que había tenido la mala suerte de topar con un director que supo convertir una mítica serie televisiva, Los Hombres de Harrelson, en un bodrio fílmico. Al salir del cine, admito mi error, y es que el menor de los males se encuentra en la dirección, siendo éste atribuible a la adaptación de un guión que, por exigencias de los productores, “salta de época” para trasladar los disturbios raciales de la ciudad de Los Ángeles en 1992 hasta nuestros días. En aquella fecha, un jurado compuesto por blancos, absuelve a cuatro agentes de policía de la paliza propinada a un delincuente de color, lo que provoca enfrentamientos y revueltas bajo una oleada de terror.

Dieciséis años después, se minimizan, hasta desaparecer, las diferencias étnicas, que se reducen a frases sin sentido dentro del contexto que los contiene, como “eres un racista por disparar sobre los coreanos” o “malditos blancos de m.”; para centrarse en la brutalidad policial de quienes nos protegen que, de alguna manera, queda justificada en la figura del héroe que, por casualidad, llega al corazón de corruptela a destruir. Se abre entonces, para el enriquecimiento argumental, un doble frente por el que desciende el protagonista en una película hecha a su medida. Y es que Reeves, penúltimo de los actores que todavía conserva la magia de los galanes del cine clásico, sabe enamorar –como ninguno- bajo el papel del policía de métodos cuestionables que actúa al margen de la ley; y puede convencer –como pocos- gracias a una inexpresividad que le viene de serie, en la caracterización de un personaje “más tonto que los otros” que se lanza al proceso de redención ajeno al desarrollo de los acontecimientos.

Los espectadores, que no saben reconocer un 2-11 antes de que se presente ni actuar por causas de fuerza mayor a la velocidad del relámpago, sí que podrán desarticular la totalidad de la trama desde el minuto número ocho de metraje. Gracias a un guión de diálogos brillantes que, sin embargo, se encarga de insertar comentarios demasiado explícitos (“Por tu propio bien, no te alejes demasiado o no podré rescatarte”), y por culpa de una dirección de actores tan cuestionable como las técnicas del “guapérrimo”; los falsos buenos y los falsos malos dejan de ser malos y buenos para ser, simplemente, falsos. Sólo que, en contra de lo que cabría suponer, los descarados -y no intencionados- previsibles giros, logran sobrevivir en medio de apoteósicas escenas de acción y de planificaciones milimétricas que, en no pocos momentos, quedan desvirtuados por el lamentable montaje que las recopila.

Con sus continuos guiños cinéfilos: “Alégrame el día” de Clint el sucio (Don Siegel, 1971), “¿Conoces la historia de Serpico, el policía que..?” (Sydney Lumet, 1973), y las continuas alusiones a “El Tercer Hombre” que puede que nunca haya existido, (Carol Reed, 1949); Dueños de la Calle discurre por la estela del mejor cine policíaco; con un interesante encuadre de primeros planos, un duelo interpretativo recogido en planos-contraplanos dignos de mención, y un mimo por los detalles que no nos dejan indiferentes; para llegar a un resultado claramente inferior al de las producciones de temática similar de los años 70.

Y, en un balance final, en el que sería imperdonable dejar de mencionar la siempre eficaz actuación del último rey de Escocia, la excelente interpretación del médico capullo, y la impagable presencia de otro “guapérrimo”, Chris Evans; me atrevo a recomendar la película de Ayer (apellido del director). Aunque, no se engañen, siempre hubo críticos a los que les gustó presumir de la impunidad que gozan los policías del departamento de Los Angeles; y es que, en demasiadas ocasiones, “no importa lo que suceda, sino cómo se escriba”.

ELEGY

noreply@blogger.com (M.I.) — Wed, 23 Apr 2008 12:54:00 +0000

En un satisfactorio “Dios los cría y ellos los juntan”, tres productores norteamericanos consiguen reunir, en una misma película, la limpieza técnica de la directora Isabel Coixet, la obra del Premio Pulitzer Philip Roth, la adaptación de uno de los mejores guionistas de las últimas décadas, y un reparto de lujo.
¿El resultado?, ¡No se la pierdan!.

TITULO ORIGINAL Elegy
AÑO 2008
DURACIÓN 108 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Isabel Coixet
GUIÓN Nicholas Meyer (Novela: Philip Roth)
MÚSICA Varios
FOTOGRAFÍA Jan Claude Larrieu
REPARTO Ben Kingsley, Penélope Cruz, Dennis Hopper, Patricia Clarkson, Peter Sarsgaard, Deborah Harry, Charlie Rose, Antonio Cupo, Sonja Bennett, Chelah Horsdal
PRODUCTORA Lakeshore Entertainment

A mí me hacen mucha gracia los comentarios que surgen cada vez que una (un) cineasta española (español) saca los pies del tiesto y alcanza el reconocimiento internacional. Sí, ese tipo de reconocimiento que existe más allá de las subvenciones y de las envidias solapadas de un país de lunes al sol. Y me hacen mucha gracia porque llega un momento en el que estos comentarios, que suelen girar en torno a un eterno “sí, pero no”, dejan de afectar a la (al) cineasta en cuestión, para salpicar de lleno a “sus críticos acérrimos”.Se plantea entonces, por la parte que nos toca, la ardua tarea de intentar explicar a los que tanto saben de cine que, lejos de limitarnos a contemplar la “temática repetitiva de drama intimista” que ellos ven en la filmografía de una directora que siempre ha llamado nuestra atención, los acérrimos preferimos argumentar y recordar.

Recordar que existieron grandes directores, como Huston o como Mankiewicz que, además, eran excelentes guionistas y mejores dialoguistas, que podían “encerrar” a dos actores en medio de la nada para, sin más alicientes, contar una historia que supiera captar la atención del espectador desde el principio hasta el final. Por ello, quienes no sabemos lo que es el cine, pero lo reconocemos en cuanto lo vemos, sabemos apreciar tal proeza, casi imposible e impensable en el panorama contemporáneo, en cuanto ésta se presenta. Guiones sólidos sin fisuras, historias honestas que pasan a través del narrador para llegar en estado puro a los espectadores, habilidades técnicas de una limpieza irreprochable, primeros planos que son el sueño de toda actriz y de todo actor, impecable precisión que perfila los distintos personajes y sus evoluciones, sorpresas metafóricas, diálogos brillantes... las conjunciones perfectas que abarca una escritora de películas que sabe crear imágenes únicas; las argumentaciones que empleamos los “acérrimos” para reivindicar que, no en vano, nos encandila el cine de esta mujer.

The Dying Animal es un relato corto del laureado y aclamado novelista Phliph Roth, que explora la dicotomía de Eros y Thanatos, y que es adaptada para el cine por el director y guionista Nicholas Meyer (Los Pasajeros del Tiempo, 1979), quien ya adaptara con éxito La Mancha Humana, del mismo novelista, que sería interpretada por Anthony Hopkins y Nicole Kidman; disipando, de este modo, el miedo a que el guión que iba a ser dirigido por la española (el primero de su carrera que ella no firma), no contara con la suficiente consistencia que le permitiera desarrollar su magnetismo fílmico.

En un intenso flashback, de inclusión imperceptible, que busca la espalda del protagonista para encontrar la lluvia intensa que barre los cristales, el cínico, realista o infantil estudioso de los orígenes del hedonismo americano, que habla como Cary Grant con La Muerte en Los Talones, intenta aprender que, como dijera Bette Davis, la vejez no está hecha para los cobardes, y es que hay que dejar de preocuparse por envejecer para intentar madurar. Un barco, quizás a la deriva, que navega por el amor a la independencia, no exenta de sacrificios; que reposta en la sexualidad no comprometida que le depara quien no consigue mantener las formalidades que reclama; que zozobra ante la hipocresía que distingue entre el adulterio ajeno, capricho de libertinos, y el propio como un estado maravilloso con música de oboe; que encalla en la playa del poeta que no sabe qué es la poesía, pero la reconoce en cuanto la oye; y naufraga ante la obra de arte que puede ser comprada pero no poseída, porque, de alguna manera, son las obras de artes las que poseen a quienes las compran.

Los amigos se aceptan tal y como son, los planos desenfocados y los giros bruscos de cámara anticipan los acontecimientos. La belleza exterior hace invisible o ininteligible el mundo interior, la transformación del personaje que interpreta Penélope Cruz, traspasa el corazón. En los momentos difíciles siempre se busca a aquella persona que nos amó, los planos subjetivos que recrean un falso flashforward resultan magistrales. Cuando haces el amor con una mujer, te vengas de todas las cosas que te han derrotado en la vida, mientras la belleza visual de las escenas que transmiten la odiosa sensación de celos perduran en el recuerdo. Ella se aparta el flequillo de la cara, él le sonríe, y el embelesamiento hace partícipes a quienes sólo podemos admirarles. Dentro de diez años, volveremos a leer el libro y será diferente, porque nosotros habremos cambiado, pero la correcta utilización de la voz en off de esta película siempre será sobresaliente.

Y, entre relatos de Kafka, Majas de Goya, Meninas de Velázquez y nuevas fotografías tomadas junto al mar como modernos cuadros de Soroya, se puede explicar a los detractores que Elegy es una buena película porque tiene el sustento de un gran guión y la ejecución precisa de una virtuosa tras las cámaras, pero nunca que es el cine, ¡maldito traidor! el que, a veces, sólo a veces, golpea duro en el alma.

RETRATOS DEL MÁS ALLÁ

noreply@blogger.com (M.I.) — Wed, 16 Apr 2008 12:51:00 +0000

Decir que esta especie de “Cosas que hacer en Tokio cuando buscas fantasmas”, con ínfulas de “Lost in Translation” y regusto a “Lo que la Verdad Esconde” es mala, sería hacer un favor al director japonés de “Infection”. Lo cierto es que nos hallamos ante la peor versión americana del enésimo cuento imposible asiático.

TITULO ORIGINAL Shutter
AÑO 2008
DURACIÓN 85 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Masayuki Ochiai
GUIÓN Luke Dawson
MÚSICA Nathan Barr
FOTOGRAFÍA Katsumi Yanagishima
REPARTO Joshua Jackson, Rachael Taylor, James Kyson Lee, David Denman, John Hensley, Megumi Okina
PRODUCTORA Regency Enterprises / Vertigo Entertainment

“Las fotografías de espíritus llevan con nosotros desde el siglo XIX, es decir, desde que se inventó la fotografía. Son manifestaciones del más allá que necesitan dar un mensaje. Si no, ¿qué sentido tendrían?”.

¿Inspirar a guionistas mediocres? ¿Rentabilizar otra historia de fantasmas en el cine? ¿Amedrentar, por no decir “acojonar”, a los que encuentren manchas blancas en los revelados de sus fotografías?. Al margen de estas contestaciones, las más interesantes de un lamentable lote que se me acaba de ocurrir a voz de ¡pronto!, la verdadera respuesta habría que buscarla en la tendencia del cine asiático a unificar sus creencias ancestrales, -entre las que se encuentra la existencia de espíritus-, con la irrupción de las nuevas tecnologías. Así, los primeros habrían de llegar hasta el mundo de los vivos a través de cintas de vídeo (The Ring), teléfonos móviles (Llamada Perdida), transplantes de órganos (The Eye. Visiones), o ¿por qué no? desde instantáneas tomadas con una cámara digital. Un aspecto al que se suma el atractivo de las versiones americanas, acercando los diversos productos orientales de espectros estáticos y vengativos que amenazan a los humanos que no pueden escapar de su destino, a un público familiarizado con la fenomenología dinámica de los “poltergeists”... Y la mezcolanza de culturas en aras del horror, funcionó. Funcionó hasta el punto de que todo lo que sabe a terror asiático ha sido estudiado, copiado y perpetrado siguiendo unos inamovibles clichés que, hace tiempo, comenzaron a aburrir.

La película que hoy comentamos, lejos de ser una excepción, se gana a pulso el premio al peor remake del enésimo cuento imposible asiático para no dormir. Basada en una cinta tailandesa, Shutter, del año 2004, que batió el récord de ingresos en las salas de su país, Retratos del Más Allá es una producción estadounidense, con director japonés, y actores principales americanos, que nada –fuera de una considerable pérdida de tiempo-tiene que ofrecer al espectador europeo; ése que ya empieza a pensar que este tipo de historias se pueden definir con la coletilla que, tradicionalmente, se ha venido aplicando a las películas porno, y que no sería otra que la de: Vista una, sobran las demás.

Masayuki Ochiai, conocido cineasta del género, incumple con el principio básico de “dar miedo”, que es sustituido con pretensiones de sensual dramatismo, burdos análisis psicológicos del forastero que reside en otro país, y por la equivocada, absurda y tediosa solemnidad que se imprime al planteamiento de un producto que irá destinado, principalmente, a los adolescentes. Fiel a un estilo que antepone los desnudos, la narración fílmica pausada hasta la exasperación, y el gusto por el melodrama que ya impulsara en proyectos como Parasite Eve (1997), deriva, en la que es su primera película americana, hacia un insólito patetismo encaminado a la pseudo-profundidad de una historia que sólo es concebida con una ración doble de palomitas.

El guionista, por su parte, un debutante obsesionado por los mangas japoneses, olvida –o no sabe- que las conexiones explicativas que desarrollan el argumento siempre han de ser posteriores a los acontecimientos. Adelantarlas de manera explícita, sin ni siquiera tener la decencia de enmascararlas en indicios improbables o en frases que sólo serán percibidas por los más avispados, delatan una preocupante falta de imaginación, incitante a la ofensa.
Ni que decir tiene que los llamados “momentos culminantes” de una película de terror, se inventan, -se reinventan, de ser necesario-, y no se limitan al plagio de refritos de otras cintas que funcionaron en taquilla. Ya no nos asustan las imágenes inquietantes e intermitentes que son recortadas en medio de la carretera y en plena noche. Nos vacunamos con el autoestopista ochentero que creó Spielberg para un episodio de Historias de la Cripta, en el que el atropellado dedicaba su tiempo post-mortem a perseguir a la atropelladora con la irrisoria e inolvidable sentencia de “gracias por el viaje, señora”. Tampoco tememos las figuras que, sentadas en una silla y de espaldas a la cámara al más puro “savoir faire Hitchcockriano”, girarán sobre sí mismas, no para descubrir el rostro enigmático de James Stewart, y sí el de un ser –llamémosle- menos llenos de vida. Nos vacunamos en una escena protagoniza por la adorable Naomi Watts, perteneciente al remake de The Ring. Y, por supuesto, esas “cosas reptantes” –en otra vida, mujeres- que pasan del suelo a las paredes para ser introducidas –por motivos que desconocemos- dentro de un cuadro, dejaron de impresionarnos en la ¿octava entrega? de La Maldición.

De poco –de muy poco- le ha servido al director de fotografía, Katsumi Yanagijima, la “inspiración” que fue a buscar a una exposición sobre fotografía y ocultismo en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, ya no para captar las “imágenes del más allá” (título con el que se conoce este bodrio en Méjico), sino para capturar el más mínimo atractivo de la impresionante ciudad de Tokio, que es mostrada con el mismo entusiasmo de quien rueda en el callejón sin asfaltar que hay cerca de mi barrio. Por no hablar de la insulsa y repetitiva partitura que, inexplicablemente, pertenece al creador de la banda sonora del Grindhouse de Rodríguez-Tarantino; o de la interminable sucesión de planos que hace descender un vehículo por un improvisado precipicio, para situarlo frente a un árbol que se encuentra a medio metro de la calzada que lo despidió.

¿Seguimos enumerando desatinos?, Mejor no. Acabo de recordar a aquella especie de novio que tuve un vez.... y creo que un espejo y una Polaroid podrían explicar este insistente dolor en el cuello....

LA COSTILLA DE ADÁN (George Cukor, 1949)

noreply@blogger.com (M.I.) — Fri, 11 Apr 2008 09:37:00 +0000

-Me apetece escribir una crítica de cine clásico
-¡Pues hazlo!. ¿De qué película?
-No lo sé. ¿De qué película la hago?
-¿Y si te digo una que tú no has visto?
-Jajaja, Vale. Tengo una idea mejor, ¿por qué no me regalas una de las tuyas para mi blog?
-Tú eliges...

Esta mañana os quiero presentar un blog que lleva enlazado con Cómo Casarse con un Millonario desde el principio de los tiempos, y con él a un gran cinéfilo, mejor amigo y crítico excepcional.
La Imagen en el Alma tiene más de 300 entradas llenas de sensibilidad, sabiduría y buen cine, y es la imprescindible fuente de consulta en la que tantas veces he repostado.
No era fácil elegir una sola crítica, pero confieso que la reseña que os pongo me desarmó.

TITULO ORIGINAL Adam's Rib
AÑO 1949
DURACIÓN 101 min.
PAÍS USA
DIRECTOR George Cukor
GUIÓN Ruth Gordon & Garson Kanin
MÚSICA Miklós Rózsa
FOTOGRAFÍA George Folsey (B&W)
REPARTO Katharine Hepburn, Spencer Tracy, Judy Holliday, Tom Ewell, David Wayne, Jean Hagen
PRODUCTORA Metro-Goldwyn-Mayer
ARGUMENTO: Amanda y Adam Bonner son un idílico matrimonio de abogados cuya paz conyugal se ve afectada cuando se enfrentan en el tribunal como fiscal y defensor, respectivamente, del mismo caso: una mujer es juzgada por disparar contra su marido y la amante de éste. Adam no duda en la culpabilidad de la acusada, pero Amanda basa su defensa en la igualdad de derechos.

El gran mérito de una película que trata sobre el feminismo desde una perspectiva imparcial es que sabe cuándo dar a las mujeres la razón y cuándo debe quitársela a los hombres. Y lo que es aún mejor, hacerlo poniéndonos a todos una sonrisa en la boca. Una sonrisa sana, no basada en el enfrentamiento rabioso de los sexos opuestos, sino prisionera del buen gusto, del sentido del humor elegante. Todo esto que escribo son sólo letras de la ley del éxito que no se pueden ver refrendadas si en el reparto de una película no hay dos nombres tan adecuados y sublimes en sus papeles como Katharine Hepburn y Spencer Tracy.

Más allá del hecho de que fueran pareja en la vida real, podemos intuir cómo con una simple mirada llegan a la compenetración absoluta, cómo son las dos partes de una misma persona, cómo en su mutua oposición hay un ensalzamiento de esa “pequeña” diferencia que separa a hombres de mujeres. Y lo hacen sin que esa diferencia parezca motivo de separación, todo lo contrario. Son dos intérpretes que traspasan la película de tal modo que, cuando la historia termina, tantos unos como otras tenemos la sensación de que hay que enorgullecerse de nuestras diferencias, tal vez porque si queremos eliminarlas perdemos nuestra identidad como sexo.

Antes de seguir, lean otra vez el párrafo anterior, por favor. ¿Ya? Vale. Seguimos.

Por otro lado, en esas mismas diferencias también hay una crítica feroz a nuestras radicalizaciones. El hombre, estúpido por naturaleza. La mujer, tendencia a la suposición enfermiza. El hombre, incontrolable cuando se le escapa la mano. La mujer, escorada hacia la ridiculización del contrario. El hombre, poseedor de una ética equivocada. La mujer, poseedora de una ética equivocada…¡Ahí va! ¡Si hay algo en común!...

Sin lugar a ninguna duda, esta película es la mejor que Hepburn y Tracy hicieron juntos a través de muchos años y ocho películas de colaboración. En todas ellas, cada uno hizo gala de trazos definitorios de sus personajes con la precisión de un rostro capaz de contener en sus arrugas la lluvia de dos días como hizo él, o con la certera mirada de una boa en ayunas, como hizo ella. En cualquier caso, cuando la interpretación de dos actores de esa talla llega a ser tan minuciosamente normal, es cuando sentimos que allí mismo, en el salón de nuestra casa, se sientan dos personas que podrían ser perfectamente los vecinos de al lado que, cada uno con su versión, quieren contarnos esos problemillas que hacen defectuoso al compañero pero que, a la vez, lo convierten en la única persona a la que se puede amar durante el resto de sus días.

Así que si deciden premiarse y verla, hay un pedazo de enorme cine que va a entrar ahí mismo. Se va a acomodar en el sofá y ustedes van a ser espectadores de una función que, de tanta ironía e inteligencia, hasta podríamos decir que estas dos palabras también son masculinas. Y si acaso, cuando apaguen el televisor, hagan sus alegaciones, formulen sus protestas y exclamen lo gozosa que es una diferencia que nunca nos ha alejado si no bien al contrario, nos ha hecho estar más cerca a cada día de nuestra historia.

César Bardés
Del Blog "La imagen en el alma"

RASTRO OCULTO

noreply@blogger.com (M.I.) — Wed, 09 Apr 2008 11:09:00 +0000

El director de “Las Dos Caras de la Verdad” y de conocidas y legendarias series televisivas como “Canción Triste de Hill Street”, presenta un atractivo thriller que no consigue esquivar los peores tópicos del género, pero sí salir de la mediocridad, apoyado en una trama elaborada, una consistente dirección de actores y una interesante Diane Lane a lo Jamie Lee Curtis en “Acero Azul”.

TITULO ORIGINAL Untraceable
AÑO 2008
DURACIÓN 100 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Gregory Hoblit
GUIÓN Mark Brinker, Allison Burnett, Robert Fyvolent
MÚSICA Christopher Young
FOTOGRAFÍA Anastas N. Michos
REPARTO Diane Lane, Colin Hanks, Billy Burke, Joseph Cross, Mary Beth Hurt, Tim De Zarn, Daniel Liu
PRODUCTORA Lakeshore Entertainment

Según las palabras de la ancianita encantadora –especie de Miss Marple de Agatha Christie- con la que coincidí en una sala de proyecciones albaceteña, este tipo de películas “no hacen más que dar malas ideas a la gente joven”. Admito que el comentario, no exento de cierta sabiduría, me hizo reír, para llegar a las conclusiones de que son las “malas ideas” anteriores a la ficción, y de que el cine, de alguna manera, tiene la obligación de mostrar esas realidades incómodas.

En este sentido, hace pocos años, la inquietante existencia de las denominadas cintas snuff, era mostrada con la clandestinidad que siempre rodeó a estas supuestas grabaciones de asesinatos reales, que sólo podían ser encontradas en improvisadas filmotecas inventadas por Amenábar, para llegar hasta las manos de Nicolas Cage en formato de ocho milímetros. Muy poco tiempo después, la selva de redes en que se convierte internet, proporciona no sólo un lugar seguro para el desarrollo de las distintas actividades profesionales y de ocio, sino también el momentáneo refugio de delincuentes que, según las teorías de esta historia, podrían llegar a matar en riguroso directo, vía on line, en atención al número de visitas registradas en sus webs. Un aspecto que, para siempre, debería pertenecer a la ciencia ficción; pero que hace de éste un título interesante, novedoso y necesario.

Su preciso planteamiento demuestra la insensibilidad generalizada de una sociedad que, continuamente, permanece expuesta al incesante bombardeo de imágenes violentas, y que pocas veces repara en su procedencia. Su desarrollo, alimentado por la significativa pregunta de “cuándo se ha vuelto este mundo tan jodidamente insensato”, se encamina a delatar como cómplices, y no simples mirones, a los usuarios de algunas páginas macabras; mientras que el alentador final es el encargado de emitir un mensaje sencillo y directo, el que asegura que frente a los nuevos criminales cibernéticos de rastro oculto, siempre habrá expertos informáticos en los Cuerpos de Seguridad empeñados en desenmascararles. Sólo hay que observar la placa del FBI que es proyectada junto a la cámara, y que aporta la sensación de ser éste un producto tan correcto en su contenido como en las formas cinematográficas que lo ejecutan.

Si no les atrajera la base argumental, así como tampoco las moralinas estadounidenses, pero sí los guiones que se suponen elaborados, sólo tienen que fijarse en que la historia que forma la película que hoy comentamos, ha sido escrita por tres guionistas; lo cual, si no proporciona garantía de calidad, sí que lo hace –en los tiempos que corren- de trabajo realizado a conciencia. El resultado, como era de esperar, evidencia que no nos encontramos ante aquellos “escritores de películas” de los que suele hablar un crítico de esta Casa, sino más bien de guionistas en huelga que permiten que sus ideas –muchas de ellas, brillantes-, sean revisadas por productores que no dudan en incorporar los peores tópicos del género con vistas a su comercialización. De esta manera, no conviene dejarse escandalizar cuando los acontecimientos derivan hacia situaciones impensables que consiguen ofender el más mínimo sentido común del espectador medio, que observa perplejo cómo se desenvuelven los agentes. Tan sólo cabe pensar que los parpadeos en código morse no suelen se factibles, y que el único objetivo de la trama es poner en peligro a la seductora Diane Lane para amortizar las cláusulas de su contrato.

En todos los casos, es innegable que la historia se ajusta como un guante de encaje negro a las manos de su director. El responsable de numerosos episodios de series televisivas como Canción Triste de Hill Street o Policías de Nueva York, cuenta con las tablas suficientes para crear el ambiente propicio que logra extraer interpretaciones creíbles de actores mediocres. Su predilección por los finales sorpresa, le predispone al trazado complejo y –muchas veces, engañoso- de personajes que, en no pocas ocasiones, superan los argumentos endebles que le tocan orquestar. Siempre irregular en la técnica, y experto en planos subjetivos y desenfocados mareantes, resulta gracioso comprobar cómo sus sofisticados artificios y su obsesión en lanzar innecesarias cortinas de humo, no hacen más que adelantar lo previsible de sus desenlaces. Su mayor éxito, repleto de estos defectos constantes, se encuentra en Las Dos Caras de La Verdad, salvado, en gran medida, por el extraordinario trabajo de Edward Norton. Algo parecido sucede, en esta película, con la efectiva presencia de la actriz protagonista, los acertijos para cerebritos de los ordenadores, y las virguerías de un montaje que hace coincidir la tecla “enter” con la patada en las puertas de registros rutinarios.

Sea como fuere, a Miss Marple le encantó la película “porque la mantuvo entretenida”; y yo, que quería emular el pacto entre caballeros de Sabina, prometí dedicarle el artículo. Como dijera un almodovariano personaje, “siempre he confiado en la bondad de los desconocidos”; y, a veces, hasta en sus criterios.

LA NOCHE ES NUESTRA

noreply@blogger.com (M.I.) — Wed, 02 Apr 2008 15:34:00 +0000

El director y guionista James Gray vuelve a recurrir a su obsesión por la justicia, los dramas familiares, las mafias, asesinatos, venganzas, sabotajes e inmigración rusa, en un trhiller notable, sólo superado por “Little Odessa”, que pudo ser perfecto.

TITULO ORIGINAL We Own The Night
AÑO 2007
DURACIÓN 117 min.
PAÍS USA
DIRECTOR James Gray
GUIÓN James Gray
MÚSICA Wojciech Kilar
FOTOGRAFÍA Joaquín Baca-Asay
REPARTO Joaquin Phoenix, Mark Wahlberg, Robert Duvall, Eva Mendes, Danny Hoch, Alex Veadov, Oleg Taktarov, Dominic Colon, Joe D'Onofrio
PRODUCTORA Universal Pictures / 2929 Productions / Industry Entertainment

Me gustaría comenzar esta crítica haciendo una pequeña reflexión sobre las filias y las fobias cinematográficas que –en demasiadas ocasiones, de manera inexplicable- padecemos algunos cinéfilos. En mi caso y durante muchos años, he de confesar la animadversión enfermiza que sentí hacia tres actores; a quienes, aun reconociendo su talento, llegué a encasillar en la categoría terrible de “filmografías absolutamente prescindibles”. Pasada la ofuscación, intenté darles otra oportunidad y, para ello, decidí “estudiar sus casos”, alcanzando una curiosa conclusión. Todos, en algún momento, habían traspasado las pantallas, superado los personajes que interpretaban y dejado de ser actores, para convertirse en seres humanos que reunían las peores maldades de la especie. Había que ser muy mala persona –o muy buen actor- para encarnar los ojos de la ira, las lágrimas de la rabia, la sonrisa de la envidia, los puños de la venganza de un ambicioso y destructivo emperador romano, como lo había hecho Joaquin Phoenix en Gladiator. El actor, fiel a su principio de “considerar cada nuevo personaje como el más importante de su carrera, para luego olvidarse de él”, quizás nunca haya reparado en el hecho de que esa fase de olvido no es posible para el espectador.

Entendida y superada la fobia; en el lado opuesto, se encuentran los actores por quienes sentimos auténtica debilidad, es posible que también motivada por el inconsciente recuerdo de los personajes a los que dieron vida. ¿Cómo permanecer indiferentes ante la irresistible personalidad del “capullo íntegro” de Los Infiltrados de Scorsese?. El fundador de la Mark Wahlberg Youth, un refugio que ampara a los niños y adolescentes de los barrios más desfavorecidos, es único para transmitir una ternura infinita. Si unimos dos caracteres tan opuestos que, según las palabras del director, son “la pasión por el trabajo de John Garfield y el conflicto interno de Montgomery Clift a punto de estallar”, nos encontramos con dos de las colaboraciones más interesantes y fructíferas del cine contemporáneo: La Otra Cara del Crimen y la película que hoy comentamos.

La noche es Nuestra es un apasionante thriller policial que cuenta con un equilibrio perfecto entre dramatismo y acción. Con toda justicia, se puede hablar de su director, James Gray, como el último de los clásicos. Su gusto por la filmografía de Visconti; la tendencia mostrada hacia la humanidad y la sinceridad que desprende el neorrealismo italiano; la observación continua de los designios insalvables del destino, herencia de los maestros japoneses de los años cincuenta; y el brutalismo americano, sin concesiones, de los setenta, se encuentran presentes en toda su filmografía. En esta historia, además, se propone una personal revisión del Enrique IV de Shakesperare; el hombre que ha de abandonar su vida despreocupada por el reclamo ineludible que marcan los acontecimientos.

Con una factura impecable, una excelente planificación de cada secuencia y un exquisito mimo de atrezo, La Noche es Nuestra nos deja una de las persecuciones de coches más escalofriantes de los últimos tiempos, que incluye una escena inspirada en Vivir y Morir en Los Ángeles de William Friedkin, y en la que será difícil olvidar la insistente amenaza del limpiaparabrisas sobre los cristales.

Desde el plano de apertura, con la exposición de una serie de fotogramas en blanco y negro que orientan sobre la batalla campal en la que se convirtió Nueva York a finales de los años ochenta; pasando por el plano cenital que revolotea sobre una exótica discoteca, que sintetiza la sensación de “no reparar en las consecuencias” que caracterizó esta década; los signos de maestría cinematográfica son constantes.

Destacamos la forma de plasmar el distanciamiento inicial que relaciona al personaje central con su familia, con una cámara que, sin implicar al espectador, siempre observará a los actores, en línea recta, desde la lejanía; los precisos retimes que se establecen en los dosificados momentos culminantes del metraje; el acertado e imperceptible flashback con que se resalta uno de los aspectos más relevantes de un guión sólido de notable ejecución; el impresionante retrato de ambientes; la supervisión musical que mezcla temas emblemáticos de Blondie o David Bowie con la partitura de Wojciech Kilar, autor de la mítica banda sonora de El Piano; la textura discreta de una brillante fotografía; y la impresionante labor de un elenco tocado por el estado de gracia de una envidiable dirección de actores.

Sin embargo, al contemplar el resultado final, fácil es dejarse invadir por la sensación de discontinuidad, de grandes obras aisladas que, -por sí mismas y alejadas del todo que las contiene-, presentan planteamiento, desarrollo y desenlace de resolución precipitada; de un cúmulo de cortometrajes que podrían haber sido separados del resto del metraje para ser introducidos en un argumento similar. Puede que el error se encuentre en el hecho de saber que ésta es una película arquetípica de su género; que se deba a un montaje que no estuvo a la altura del resto del equipo; o que dé cumplimiento a la posibilidad que niega la existencia de la perfección.

"UN TOQUE DE CANELA" SEVILLANA

noreply@blogger.com (M.I.) — Fri, 28 Mar 2008 11:47:00 +0000

Hace unos días, un grupo de críticos de cine de Sevilla se puso en contacto conmigo para invitarme a visitar su web y pedir mi colaboración.
La visité y me gustó, por lo que he decidido dedicar una entrada a esta nueva web, y recomendarla a todos los lectores y amigos de "Cómo Casarse con un Millonario".

Para que os hagáis una idea, os pongo una de sus críticas.

UN TOQUE DE CANELA

ficha de la película:
TITULO ORIGINAL Politiki kouzina (A Touch of Spice)
AÑO 2003
DURACIÓN 108 min.
PAÍS GRECIA
DIRECTOR Tassos Boulmetis
GUIÓN Tassos Boulmetis
MÚSICA Evanthia Reboutsika
FOTOGRAFÍA Takis Zervoulakos
REPARTO Georges Corraface, Ieroklis Michailidis, Renia Louzidou, Stelios Mainas, Dina Michailidou
PRODUCTORA Greek Film Center / Filmnet / Cinegram

Acabo de leer un par de críticas en su contra, pero a mí me parece una joyita, una grata sorpresa. Mi conocimiento del cine greco-turco, como comprenderéis, es bastante limitado, así que no tenía ni la más remota idea de la existencia de esta película. Pero me la recomendaron, me dio la curiosidad, me hice con ella y la verdad sea dicha, me ha sorprendido más que positivamente.

'Un toque de canela' cuenta la historia de Fanis Iakovides, un niño de ascendencia griega criado en Estambul que se ve obligado a volver a Grecia debido a los conflictos diplomáticos entre este país y Turkia. La película más o menos cuenta toda la infancia, adolescencia y parte de la vida adulta de Fanis, pero pone especial incapié en la relación con su abuelo Savas Iakovides. Savas tiene una tienda de especias (a las que atribuye cualidades extraordinarias) y es padrino y mentor de Fanis, marcando su niñez en dicha tienda su personalidad y el resto de su vida.

Si solo leemos el párrafo anterior, parece que no tiene nada de especial y de interesante. La cosa realmente curiosa aquí es que todo, absolutamente todo gira en torno a la comida. De hecho, la película está estructurada en 3 partes: entrantes, 2º plato y postre. En el 90% de las escenas, se está cocinando, comiendo o de alguna forma está la comida y la forma de prepararla presente. El mérito reside en que se tratan multitud de temas a lo largo del film, entre ellos, relaciones familiares, política, religión, matrimonios de conveniencia.. todo a través de metáforas culinarias. No negareis que es, al menos, original.

Me ha gustado también varios detalles respecto a la forma y dirección de la película. Por un lado, se puede ver una 'exageración' de las propiedades de las cosas, algo así como el realismo mágico sudamericano o algo así como lo que ya se vió en Amelie. Otra cosa a destacar ( y a mí personalmente me encanta el recurso) es la recurrencia de muchas escenas, frases y gags: escena de las velas, el dolor en la espalda, el parkinson de la abuela, la palmada en la mano cuando ocurre algo malo.. la primera vez que lo ves te ríes, y la segunda, si se hace bien, te ríes aún más, etc.

De los actores, todos desconocidos, no hay nada bueno ni nada malo que decir. Cumplen su papel con solvencia, y hablando de papeles, otro punto para los guionistas de esta película porque las palabras que ponen en la boca de los personajes, son cotidianas y creibles. Esto aunque parezca raro, no se suele ver demasiado...

Otra razón por la que es buena, pienso que está película provoca sentimientos al espectador. Pocas consiguen emocionarte en una escena tras media hora de película, está sí. Se que es una obviedad pero no me voy a resistir. 'Un toque de canela' es salá (te ríes mucho), dulce (en la etapa que cuenta la niñez de Fanis), ácida (se trata con bastante ironía y perspicacia el conflicto turko-griego) y .. amarga (con un final de nudo en la garganta).

Para concluir, decir que me ha dejado con muy buen sabor de boca (cuanta comparación facilona hoy) y que la recomiendo encarecidamente a todos aquellos que se quieran desmarcar por un día del cine más convencional y prefrabricado.

Lo mejor: parece una película monotemática (solo se habla de comida) pero trata astutamente multitud de temas.

Lo peor: el final del final (últimos 2 minutos de la película) me ha parecido arto cursi. La escena del hospital es super típica. Se le perdona.

Nota: 7/10

Juan Jesús Gutiérrez Ramos
criticasdecine.googlepages.com

LOS FALSIFICADORES

noreply@blogger.com (M.I.) — Wed, 26 Mar 2008 13:19:00 +0000

Ganadora de un Oscar a la Mejor Película en lengua no inglesa, la producción austriaca “Los Falsificadores” rescata a ritmo de tango un episodio de la Segunda Guerra Mundial, desconocido para el séptimo arte. La Operación Bernhard tuvo como objetivo desestabilizar los sistemas económicos de las principales potencias aliadas.

FICHA DE LA PELÍCULA:
TITULO ORIGINAL Die Fälscher (The Counterfeiters)
AÑO 2007
DURACIÓN 98 min.
PAÍS AUSTRIA
DIRECTOR Stefan Ruzowitzky
GUIÓN Stefan Ruzowitzky (Historia: Adolf Burger)
MÚSICA Marius Ruhland
FOTOGRAFÍA Benedict Neuenfels
REPARTO Karl Markovics, August Diehl, Devid Striesow, Martin Brambach, August Zirner, Veit Stübner, Sebastian Urzendowsky, Andreas Schmidt
PRODUCTORA Coproducción Austria-Alemania

Han pasado más de sesenta años desde que finalizara la Segunda Guerra Mundial, y el cine sigue teniendo la capacidad de sorprender al rescatar nuevos episodios, tan desconocidos como trascendentales, que acontecieron en la contienda. El que origina la película que hoy comentamos, nos traslada hasta la Alemania de 1944, quien, al ver perdidas sus posiciones, no duda en poner en marcha la mayor operación de falsificación de moneda extranjera de todos los tiempos. Para ello, no necesita contratar ni remunerar los servicios de expertos impresores, tan sólo exigir la prestación de los mismos a los judíos que mantiene recluidos en campos de concentración. Un guión que, por perfecto, sólo puede estar extraído de la realidad, de la experiencia vital del escritor Adolf Burger, papel que interpreta magistralmente el actor August Diehl .

Burger es conducido desde Auschwitz, el mayor núcleo de exterminio creado, hasta los barracones privilegiados de Sachsenhausen, convertidos en talleres, en los que coincide con el preso número 75.517, Salomon Sorowitsch, que ha hecho del oficio de falsificar billetes no sólo su medio de vida, sino también un arte. Momento en el que la memoria cinéfila une ambos conceptos para recordar La Gran Evasión de John Sturges, con ese fantástico trabajo de falsificación de documentos, o El Tren de John Frankenheimer, auténtica pieza de orfebrería cinematográfica, que mostró el expolio de las obras de arte por parte de los nazis. Y es que sólo de “obra de arte” se puede calificar la fabricación de falsas libras esterlinas que ni siquiera son detectadas por el Banco de Inglaterra, o de los billetes de cinco dólares americanos que no dejan de contener el agazapado búho de los Illuminati en sus estampas.

A partir de este momento, fácil es comprobar cómo se sigue manteniendo la visión tradicional con la que las distintas filmografías de los diversos países implicados han abordado la temática de la Segunda Guerra en atención a su papel histórico. En líneas generales, el cine americano se ha dedicado a ensalzar los hechos heroicos que protagonizaron sus compatriotas; el británico se centra en la resistencia numantina ofrecida a los invasores; y el germánico intenta purgar sus pecados, hablando del trauma de una generación que heredó la suposición perenne de culpabilidad por los actos cometidos por sus propios padres. Era en 1958 cuando se empezaba a entonar el “mea culpa” con la imprescindible El Puente, de Bernhard Wicki, en la que era denunciado el reclutamiento de unos niños para un derrotado ejército alemán; un ejercicio de expiación que continúa presente en las producciones de las últimas décadas.

Esta concepción y este propósito son la aportación alemana a una cinta que se esfuerza en plantear una disyuntiva moral que, a todas luces, no es tal, al darse los acontecimientos bajo un principio absoluto de carencia de libertad. No se puede juzgar la actuación de un personaje que, incluso en tiempos de paz, asegura que “al tratarse de su existencia, sería capaz de hacer cosas muy gordas” cuando accede a colaborar en el bando de los malos; de la misma manera que tampoco es conveniente someter a la criba de la moralidad la actitud reticente de quien, sistemáticamente, pone en peligro su propia vida y la de sus compañeros de cautiverio. La película, en este sentido, ha de ser conservada y tratada como un mero documento histórico, de innegable valor, pero sin otras pretensiones.

La contribución austriaca, y es que el filme galardonado por Hollywood es una coproducción de ambas naciones, es la propia del cine que ha crecido a la sombra del alemán, y que sintetiza los posicionamientos de sus gobernantes en dos escenas prodigiosas. Recordemos que el pueblo austriaco acogió con júbilo la anexión con Hitler, de quien decía era alemán y Beethoven austriaco, cuando, en realidad, era al revés; para después renegar enérgicamente de esta cooperación. Trasladando este hecho a la propia película, el jefe de la cuadrilla de impresores no duda en alabar el talento del falsificador ante los oficiales de las S.S., para más tarde acentuar la heroicidad del saboteador ante los ojos de los libertadores.

En un balance final, teniendo en cuenta la correcta labor del conjunto de actores y la adecuada planificación de la banda sonora a ritmo de tango, destacamos el “savoir faire” del director de la exitosa saga de Anatomía, Stefan Ruzowitzky. Por lo tanto, nos quedamos con sus inequívocas muestras de maestría al construir un atractivo guión de sólida estructura narrativa en formato de intriga, con sus ágiles movimientos de cámara, con el acierto de saber huir de los sempiternos flashbacks para insertar el back-story de los personajes en amenos diálogos, y con la incorporación de dos genialidades que suponen los momentos cumbres de la historia. Nos referimos al escalofriante plano en el que es derribado el muro que separa los dos mundos de una misma y atroz realidad; y, sobre todo, al pasaje que sitúa la acción en una entidad bancaria de Suiza. Y es que, aunque parezca mentira, la vida continuaba fuera de allí...

Leer critica de Los falsificadores en Muchocine.net

GRANDES ESCRITORES QUE FUERON CRÍTICOS DE CINE

noreply@blogger.com (M.I.) — Mon, 24 Mar 2008 12:32:00 +0000

Solía decir un entrañable sacerdote que me dio clase en el instituto, que una alegría compartida es una alegría doble. Es curioso comprobar cómo hay frases que nos acompañan a lo largo de toda la vida, dando fe de la huella que algunos profesores, incluso los de las asignaturas menores, dejan en nosotros.

Por ese motivo, porque “una alegría compartida es una doble alegría ”, el día que descubrí que mi escritor favorito, Don Gabriel García Márquez, había sido crítico de cine de un periódico colombiano, no dudé en ponerme en contacto con un amigo cinéfilo para hacerle partícipe de esta impagable noticia. El buen hombre, con esa paciencia infinita que siempre muestra ante mi vehemencia infantil, me respondió con un “Ah, pero, ¿no lo sabías?”, y añadió:

“Entre los distintos escritores que se han dedicado a la crítica de cine, tenemos a Jorge Luis Borges, crítico de la revista “Sur” de 1931 a 1944, donde expresa su admiración por “Ciudadano Kane”, de la que escribió: “El abrumador filme de Welles es, a la vez, metafísico y policial, psicológico y alegórico, la investigación del alma secreta de un hombre a través de las obras que ha construido, de las palabras que ha pronunciado, de los muchos destinos que ha roto...”

También está Guillermo Cabrera Infante, crítico de cine en Cuba durante más de diez años, y autor de tres libros sobre cine: “Un oficio del siglo XX”, “Cine o Sardina” y “Arcadia todas las noches”. Confiesa su admiración por Howard Hawks, Truffaut y por “El Mundo en sus Manos”.

Azorín escribió dos libros sobre cine, titulados “El Cine y el momento” y “El efímero Cine”, confesando su admiración por Chaplin y por la película “Solo ante el peligro”.

También Alejo Carpentier ejerció de crítico en el diario “El Nacional”, desde 1950 hasta 1959, y tuvo especial predilección por Chaplin, Buñuel, Murnau, Fellini, Welles, Minnelli, y por “El Tercer Hombre”.

Vicente Molina Foix aún escribe para la revista “Fotogramas”, y también fueron críticos Vicente Blasco Ibáñez, Serafín y Joaquín Álvarez Quintero, Francisco Ayala y Carmen Martín Gaite.

Y Graham Greene, quien, durante más de quince años, también se dedicó profesionalmente a la crítica”.

Ni que decir tiene que, con esta información, la alegría doble se convertía en la alegría inmensa que cumplía con tres objetivos importantes:

1.- Abrir una puerta de investigación que no se cerrará hasta que encuentre la última revista, la última crítica, el último libro que publicaron todos y cada uno de ellos. Una labor que, debido a mi vagancia confesa, nunca se traducirá en un libro de divulgación, ni en un manual, me temo que ni tan siquiera en un especial; pero sí que contribuirá a mi cultivo personal, y me aportará nuevas armas que, alguna vez, podré utilizar en alguna de mis críticas. Sobre todo, me dará la satisfacción de aprender y de disfrutar con ello.

2.- La posibilidad de poder dibujar una sonrisa la próxima vez que alguien me diga eso de que “no se suele fiar de los críticos que publican en un diario”. Por cierto, que no sé yo si se fijan, cuando me lo dicen, en que yo escribo críticas de cine en un diario... o si me lo dicen aposta, jajajaja.

3.- La alegría de compartir esta información con todos los lectores y amigos de este blog que, además de ser excelentes críticos, tienen alma de escritor y sueñan con la publicación de su primera novela –o de la siguiente-, y con que yo asista a esa presentación. Allí estaré.

Para los curiosos, y para alimentar esa obsesión que sigo teniendo por los guiones bien atados, diré que el cura me daba clase de religión, pero que pronto supe darle “nuevas utilidades”, como coserle a preguntas hasta que las traducciones de latín se convirtieron en un pasatiempo. De alguna manera, también alentó mi afición por la lectura –creo que me sé la vida de todos los santos- y mi intermitente pasión por escribir. Volví a coincidir con él, en una boda que él ofició, muchos, muchos años después... y ya no me recordaba. Claro que, para entonces, yo ya había hecho una adaptación libre de aquellos versos de “Esplendor en la Hierba”, los que dicen que, por mucho que cambie la vida, los recuerdos siempre permanecerán intactos en nuestra memoria.

EN EL PUNTO DE MIRA

noreply@blogger.com (M.I.) — Wed, 19 Mar 2008 13:20:00 +0000

Insultante cúmulo de desatinos y desvaríos en un particular día de la marmota en el que, hasta en seis ocasiones, se rebobina la acción para ofrecer el mismo metraje. Una película que no funciona ni como mero artículo de entretenimiento.

FICHA DE LA PELÍCULA
TITULO ORIGINAL Vantage Point
AÑO 2008
DURACIÓN 90 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Pete Travis
GUIÓN Barry Levy
MÚSICA Atli Örvarsson
FOTOGRAFÍA Amir M. Mokri
REPARTO Dennis Quaid, Matthew Fox, William Hurt, Forest Whitaker, Sigourney Weaver, Eduardo Noriega, Saïd Taghmaoui, Edgar Ramirez, Zoe Saldana, Richard T. Jones, Rocío Verdejo
PRODUCTORA Columbia Pictures
----------------------------------------------------------------------------

Desde que Don Rodrígo Díaz Charlton Heston de Vivar, desoyendo el asesoramiento de Don Ramón Menéndez Pidal y bajo las órdenes de Anthony Mann, tomara la plaza de Valencia “para el rey de España”, miedo da cada vez que las pretensiones americanas, con esa perspectiva que les da la distancia, aterrorizan y aterrizan en territorio hispano. Más cercana en la memoria cinéfila se encuentra la segunda Misión Imposible de Ethan-Cruise que, haciendo coincidir las fallas en la Semana Santa de Sevilla, no dudó en prender fuego a los Pasos de la procesión bajo la atenta mirada de las falleras que, entusiasmadas, saludaban desde el balcón del consistorio. Creo que eso fue antes de que los guionistas plagiaran (escena de carrera de caballos incluida) el mítico argumento de Encadenados de Alfred Hitchcock.

En esta ocasión, los resultados no tenían por qué ser diferentes, pero tampoco tan indignantes, y es que los responsables de esta cinta parecen desconocer un par de aspectos fundamentales que a los demás nos resultan demasiado evidentes.
En primer lugar, todavía está presente en el ánimo de los españoles el momento amargo en el que Madrid se queda sin Olimpiadas, según las malas lenguas, por culpa de cierto honorable miembro del jurado que considera éste un país potencialmente peligroso por la amenaza terrorista, aunque adecuado para que sus sobrinos se pavoneen con la novia de turno en los veranos de Mallorca. Habría que preguntarse cuál es el lugar absolutamente seguro en la actualidad, recordar los Juegos del 72, y llegar a la conclusión de que si hay algo que España no necesita a nivel internacional es este tipo de publicidad sobre atentados que le brinda el cine americano.
Por otra parte, los cinéfilos recordamos el revuelo que se armó en la salas neoyorquinas cuando, sin previo aviso, se insertó un tráiler del United 93 de Paul Greengrass, dado que los ciudadanos “no estaban preparados para aquello”. Entendimos sus motivos, y pedimos el mismo respeto. La película que hoy comentamos se nos ha vendido con el aliciente de contener una reproducción exacta de la emblemática Plaza de Salamanca, pero nadie nos advirtió de que, a lo largo de tres escenas interminables, el sonido de las sirenas de ambulancias españolas sería ensordecedor, el paisaje tras la segunda detonación, desolador, y la policía española tendría que desplegar todos sus efectivos ante una situación de emergencia, mientras la población española yace en el suelo muerta o malherida. Unas secuencias de muy mal gusto, si tenemos en cuenta que llegarán a un país en el que, lamentablemente, no hay que recurrir al cine para ver las consecuencias del terrorismo en sus calles.

Afortunadamente, fácil es pasar de la ofensa a la risa, con un alcalde salmantino que parece haber desertado del ejército de Pancho Villa; con un “sospechoso que se dirige hacia el oeste por las calles interiores” y lo que les tuvo que fastidiar no poder decir eso de “va por la 34 esquina con la 52”; con unas “calles interiores”de cinco carriles que ya las quisiera Barcelona; con un barrio árabe que no se encuentra ni en Córdoba; con las notas de una banda sonora que sitúan la acción en algún lugar de África, y seguimos estando en Salamanca; con esa niña, esa niña....que no se llama Victoria, sino Ana.

Si intentamos –y no es difícil- olvidar que los hechos transcurren en suelo español para realizar un análisis objetivo del filme, nos encontramos con un argumento simplista que se podría haber desarrollado en no más de veintitrés minutos.
La idea de mostrar un mismo suceso desde diferentes puntos de vista, aunque no es original, sí que es sumamente interesante si en su ejecución se observa la incorporación de alguna genialidad en el montaje, de escenas que se superponen, puntos de mira que se complementan, diálogos que se entrelazan y permiten que el espectador, por sí mismo, pueda recomponer las piezas de un supuesto puzzle que no es tal.
Pero nada de todo está presente en la película, reduciéndose el misterio a un insistente rebobinar de la acción para ofrecer el mismo metraje. La exposición es mareante; las conversaciones que proceden de informadores, controladores, teléfonos y transeúntes se atropellan entre sí: los retimes (cámara lenta) que recogen el encuentro entre los distintos personajes son irrisorios; el momento “Sangre y Arena” en el que un policía-torero entra en la plaza, con la cabeza en otro lugar por culpa de una mala mujer, esperpéntico. No avanza la acción, y cuando se decide contar la historia, el espectador está tan hastiado que, curiosamente, lo único que espera es un próximo rebobinado vertiginoso que le devuelva a las doce del mediodía.

Por lo demás, Pete Travis, saciada su obsesión con los atentados, se limita a introducir todos los tópicos de los telefilmes que dirige: el trauma sufrido por un guardaespaldas con un impagable ángel de la guarda, el coche azul que de qué estará hecho para no sufrir ni una abolladura, “El Turista Accidental” que protagoniza una de esas acciones individuales que tanto les gustan, el pte que es mucho pte y no necesita salvadores, el águila en marcha.....

Como dirían en mi Tierra, ¡lástima de cuartos!, y lástima de que actores como William Hurt o Sigourney Weaver se vean involucrados en este tipo de proyectos, que se antojan más de la talla de un Eduardo Noriega que sólo convence cuando se desnuda frente a alguna bebida refrescante de extractos.

Leer critica de En el punto de mira en Muchocine.net

COMETAS EN EL CIELO

noreply@blogger.com (M.I.) — Wed, 12 Mar 2008 16:31:00 +0000

La banda sonora del español Alberto Iglesias revitaliza los tiempos de silencio que consolidan la amistad para dar la bienvenida a un relato que antepone el Humanismo a la manipulación ideológica, permitiendo rescatar los pequeños momentos de felicidad que terminan componiendo la vida.

FICHA TÉCNICA:
TITULO ORIGINAL The Kite Runner
AÑO 2007
DURACIÓN 122 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Marc Forster
GUIÓN David Benioff (Novela: Khaled Hosseini)
MÚSICA Alberto Iglesias
FOTOGRAFÍA Roberto Schaefer
REPARTO Khalid Abdalla, Ahmad Khan Mahmidzada, Zekeria Ebrahimi, Saïd Taghmaoui, Atossa Leoni, Homayon Ershadi
PRODUCTORA DreamWorks Pictures / Sidney Kimmel Entertainment / Participant Productions

“¿Quiénes somos nosotros en este complicado mundo?”. El mundo que permite que unas gotas de sangre sobre la nieve acompañen el disimulo de dos jóvenes amigos que empiezan a vivir. El verbo disimular no debería conjugarse en la niñez. El mundo en el que los aliados aprovechan la coyuntura de las desavenencias para invadir la intimidad, no con amenazas inútiles, sino con tanques. El mundo que obliga a abandonar todo cuanto se conoció y amó para emprender otra aventura, rota quizás, en un espacio geográfico y cultural diferente. “Un niño que no sabe defenderse, acaba siendo un hombre que no defiende nada”, hasta que encuentra una causa justa que le hace descender a los abismos para intentar sobrevivir. Hasta entonces, “los niños no son cuadernos para colorear con tu color favorito”, sólo cuando haya “Mucha leña para tan pocos leñadores”, la fuerza interior verá multiplicada su eficacia por siete, -la de los “Magníficos”-, y la proeza de cruzar el infierno de la sinrazón radical sería repetida “mil veces por ti”.

Es ésta una historia “salida de ninguna parte” que, en palabras de la escritora Isabel Allende, resulta “tan fuerte que, durante mucho tiempo, todo lo que leí después me pareció insípido”. Es la historia creada por Khaled Hosseini, médico estadounidense de origen afgano que, en las manos del director Marc Forster, surca los cielos de planos desenfocados en vistas panorámicas, para llegar directa al corazón. Qué difícil es mantener el sentido crítico cuando se impone el sano hábito de llorar frente a la gran pantalla. Se necesitaba, según los productores, la emotividad que el cineasta demostró en Monster’s Ball, la ambientación onírica inherente al evocador Oriente de tiempos mejores que simulara un cuento como el que nos era mostrado en Descubriendo Nunca Jamás, y la sensación atemporal que, junto al guionista David Benioff, consiguió en Tránsito. En mi modesta opinión, tan sólo era necesario dejar que “la historia pasara a través de todos ellos”, para dar cumplimiento a la vida secreta de las palabras que otra Isabel, también contadora de historias y de apellido Coixet, nos hizo entender a los cinéfilos.

Y la historia pasó a través de ellos sin alardes técnicos, con actores desconocidos, con uno de esos guiones sólidos que tanto escasean en el cine contemporáneo y con la incorporación de un nuevo personaje que, sin rostro, supo romper las fronteras del espacio y del tiempo para captar la esencia de la universalidad. Ésa es la habilidad y la gran facultad de la buena música. La de Alberto Iglesias forma parte del paisaje desolado de treinta años de guerra y de pobreza, permanece en los tiempos de silencio que ayudan a consolidar la amistad y emerge de la distancia, a veces imperceptible, que separa al hombre valiente del cobarde. Por esta temática, por la posibilidad que, en ocasiones, ofrece el destino de poder reparar los errores del pasado, éste es un relato que nos traerá a la memoria cinéfila las míticas Cuatro Plumas de Zoltan Korda de 1939. Por contener una parábola de la pérdida de inocencia frente a la maldad más absoluta, la película que hoy comentamos logrará arañar el alma con la misma fiereza con que lo hiciera aquel Manantial de la Doncella de Bergman.

Es curioso que al intentar analizar Cometas en el Cielo no pueda dejar de pensar en aquella conversación lejana que se producía entre un crítico estadounidense y otro de Cahiers du Cinéma sobre una película de Alfred Hitchcock. A grandes rasgos, el primero esgrimía que La Ventana Indiscreta carecía de credibilidad porque su director desconocía el barrio en el que estaba rodada, mientras que Truffaut le hacía ver que La Ventana Indiscreta era cine, y que él sabía lo que es el cine. Es éste un detalle importante que no olvido cuando quiero evitar que “el árbol me oculte el bosque”, tal y como advertía la sabia frase extraída de un personaje secundario de Mogambo (John Ford, 1953). Cierto es que los arbustos siguen estando ahí. Los flashbacks no son originales; las elipsis resultan vertiginosas; los diálogos son impropios de unos niños que tienen “paga semanal” en el Kabul de 1978; la aventura americana se antoja afgana y la afgana está totalmente americanizada; el episodio del disfraz de la falsa barba es, en el mejor de los casos, inverosímil; y la rocambolesca huída hacia Pakistán, imposible. Pero sería una injusticia permitir que la maleza consiga ocultar la profundidad de un documento humano que, como pocos, todavía conserva la grandeza de saber conmover al espectador.
¿Quién dice que eso no es el cine?.

Para Milo. Porque presiento que éste es el inicio de una gran amistad, en la que nunca olvidaré que fui obligada a meter con calzador Las 4 Plumas.

LAS HERMANAS BOLENA

noreply@blogger.com (M.I.) — Tue, 04 Mar 2008 13:56:00 +0000

Historia de grandes interpretaciones femeninas y magnífico guión, en la que el azul turquesa y el verde profundo de los retratos de Hans Holbein no consiguen paliar las deficiencias en la dirección de un debutante que no cuenta con la pericia suficiente para orquestar el conjunto.

FICHA DE LA PELÍCULA:

TITULO ORIGINAL The Other Boleyn Girl
AÑO 2008
DURACIÓN 115 min.
PAÍS Gran Bretaña
DIRECTOR Justin Chadwick
GUIÓN Peter Morgan (Novela: Philippa Gregory)
MÚSICA Ed Shearmur (AKA Edward Shearmur)
FOTOGRAFÍA Kieran McGuigan
REPARTO Natalie Portman, Scarlett Johansson, Eric Bana, Kristin Scott Thomas, Jim Sturgess, Mark Rylance, David Morrissey, Benedict Cumberbatch, Oliver Coleman, Ana Torrent, Eddie Redmayne, Tom Cox, Michael Smiley, Montserrat Roig de Puig, Juno Temple
PRODUCTORA Coproducción GB-USA; BBC Films / Ruby Films / Scott Rudin Productions.

Pocos personajes históricos han logrado despertar la atención de los productores cinematográficos con tanta intensidad como el de Ana Bolena. La cortesana irrelevante, tremendamente atractiva y sensual, altiva, esbelta y ambiciosa que, de manera indirecta, cambiaría el rumbo de un país. Sin embargo, poco o nada se sabía de su hermana, la otra Bolena, hasta la publicación de la novela de Philippa Gregory, que se convirtió en una serie de la televisión británica en el año 2003, y que acaba llegando a la gran pantalla.

Para la creación de este nuevo personaje, desconocido para el cine y para la Historia, del que circulan varias versiones sobre su relación con el monarca, pero ninguna de su personalidad; se apuesta por un perfil psicológico opuesto al de Lady Ana, tendente a esa definición de “rosa sin espinas”, que caracterizara a Juana Seymour, sustituta de la segunda reina y madre del único heredero varón.

Como era de prever, su inclusión hace que la película que hoy comentamos sea notablemente diferente a las producciones que recordamos de idéntica temática histórica. Por cuestiones obvias, se aleja de los asuntos políticos que enmarcaron ese período del siglo XVI y que tan bien retrató Fred Zinnemann en Un Hombre para la Eternidad, en 1966. Por su enfoque, tomando como eje central de la trama a la familia Bolena y permitiendo descubrir la figura del soberano sólo a través de los ojos de ésta, tampoco se asemeja a otros relatos que ampliaron la visión sobre las azarosas intrigas palaciegas que ayudaron a establecer las bases de una nueva nación, como La Vida Privada de Enrique VIII (Alexander Korda, 1933), La Rosa de los Tudor (Robert Stevenson, 1936) o Enrique VIII y sus Seis Esposas (Waris Hussein, 1972). Acotando el terreno, también resulta distinta a sus referentes más inmediatos, dando una nueva perspectiva a títulos como Ana Bolena (Ernst Lubitsch, 1920) o a Ana de los Mil Días (Charles Jarrott, 1969).

Y es que, básicamente, la historia de Justin Chadwick es una reflexión que hace observar la facilidad con la que una vida puede influir sobre otras vidas, de cómo una decisión logra afectar el devenir de los acontecimientos, o en cuántas ocasiones es el propio carácter –ése que se presume personal e intransferible- el que sabe conducir a la salvación o a la destrucción más inevitable.
Con miras históricas, ¿habría sido diferente la vida de Ana Bolena sin la intervención de su hermana?. Su existencia y esa casi promesa final, ¿ayudan a explicar las misteriosas palabras que la joven reina pronunció el 19 de mayo de 1536 frente al cadalso?. Al aceptar su destino, justificar el veredicto del tribunal que la condenaba y alabar la figura de su esposo, además de intentar preservar los intereses dinásticos de su hija Isabel, ¿albergó esperanzas sobre su propia vida?.

Las Hermanas Bolena cuenta con muchas y poderosas razones para convencer. Rodada en alta definición, con un diseño de producción que recrea fielmente las localizaciones, estancias y mobiliario de la época; con el desarrollo de muchos de sus pasajes en escenarios naturales; con un vestuario que corre a cargo de la doblemente oscarizada Sandy Powell; con la impagable presencia de las mejores actrices del momento; con un guionista excelente, Peter Morgan (The Queen, Stephen Frears, 2006); con un actor, príncipe de Troya, que suele ser una apuesta segura; con un inmejorable reparto de notables secundarios..... tan sólo hacía falta un buen director que fuera capaz de orquestar el conjunto. En su defecto, se escoge a un debutante que se limita a transcribir el guión mientras marea con los travellings laterales, permite que los extras se crucen entre los protagonistas y la cámara en medio de conversaciones cruciales, revolotea con planos cenitales, y explota sus dos únicas genialidades hasta la saciedad. Éstas no son otras que la persecución de Eric Bana por los pasillos de palacio, y las imágenes distorsionadas que se captan a través de numerosos ventanales. Tampoco acompaña una fotografía tenebrosa y hostil, empeñada en diferenciar a los personajes del decorado, que , logrando su propósito, termina por romper con la homogeneidad del retablo.

Con un planteamiento tan correcto como exento de fuerza narrativa, se puede decir que la historia, realmente, no arranca hasta el regreso de Ana de la corte francesa, en la que presta sus servicios para una reina (por las fechas, suponemos que se trata de Leonor, infanta de España), para ridiculizar a su rey (que sería Francisco I, eterno rival del emperador Carlos I). Es en ese momento cuando emergen las grandes interpretaciones femeninas –hasta entonces, aletargada por una pésima dirección de actores-, cuando se produce la transformación del personaje principal y los múltiples registros que de éste se desprenden, serán un reto superado con nota por Natalie Portman. Antes que ella, grandes actrices como Merle Oberon, Henny Porten, Charlotte Rampling o Geneviève Bujold habían encarnado a la madre de Isabel I, mas ninguna de ellas supo hablar con la mirada.

En un balance final, admitiendo que “El arte de ser mujer consiste en hacer pensar a los hombres que son ellos quienes mandan” (qué poco ha cambiado el mundo en cinco siglos), e indicando que ésta es la historia de un excelente guión mal dirigido (recuérdese Desirée de Henry Koster en 1954), nos quedamos con la impresionante actuación de Ana Torrent y el agradecimiento a la directora de casting por no saber que Catalina de Aragón era rubia. Escalofríos dan al imaginar que se pudo buscar a Elsa Pataky.

MICHAEL CLAYTON

noreply@blogger.com (M.I.) — Wed, 27 Feb 2008 12:41:00 +0000

Con siete nominaciones al Oscar (incluidos los de mejor director, guión original y película) y ganadora de uno por la mejor actriz de reparto, Michael Clayton es un thriller con tanta clase como su protagonista.

FICHA DE LA PELÍCULA:
TITULO ORIGINAL Michael Clayton
AÑO 2007
DURACIÓN 119 min.
PAÍS USA
DIRECTOR Tony Gilroy
GUIÓN Tony Gilroy
MÚSICA James Newton Howard
FOTOGRAFÍA Robert Elswit
REPARTO George Clooney, Tom Wilkinson, Tilda Swinton, Sydney Pollack, Michael O'Keefe, Ken Howard, Denis O'Hare, Robert Prescott, Austin Williams, Sean Cullen, Merritt Wever, David Lansbury
PRODUCTORA Warner Bros. Pictures
7 nominaciones a los Oscar: Mejor película, director, guión original, actor principal (George Clooney), actor de reparto (Tom Wilkinson), actriz de reparto (Tilda Swinton), banda sonora.
Ganadora de 1 oscar a la mejor atriz de reparto.

Una llamada en medio de la noche. Un cliente con graves dificultades, y un despacho de abogados que cuenta con el tipo de profesional que requiere la ocasión. Por su elegancia y precisión, la seguridad que muestra en sí mismo, la rápida presentación en el lugar de los hechos, y por la propia definición de su cargo, la de “solucionador de problemas”; muchos recordarán a Harvey Keitel como Winston Wolf. Sin embargo, nada tiene esta cinta de Pulp Fiction Tarantiniano; moviéndose, más bien, por los derroteros que seguían productos como El Informe Pelícano (Alan J. Pakula, 1993) o Erin Brockovich; y es que, no en vano, Steven Soderbergh no está lejos del proyecto.

Su director, un Tony Gilroy desconocido en las tareas de realización hasta esta película, es el creador de la saga de Bourne; el espía que, gracias a los inteligentes movimientos de su guionista, ya se encuentra a la altura de otros grandes agentes especiales del cine, como el mismísimo Bond o Ethan Hunt de Misión Imposible. Y es que ésa es una de las habilidades del Gilroy escritor, la de saber adentrarse en temáticas manidas y estereotipadas para darles una nueva dimensión.

En esta ocasión, sigue manifestando su obsesión por el mundo profesional y cómo éste afecta y es afectado por las relaciones personales, la vida familiar y las condiciones, aptitudes y actitudes individuales, tal y como mostrara desde sus inicios con la presentación de una deliciosa y diferente comedia romántica, Pasión por el Triunfo, allá por 1992. Después, vendrían historias como Prueba de Vida, interpretada por Russell Crowe, Al Cruzar el Límite, o Pactar con el Diablo, en la que pudo conocer diversos casos del entramado legal neoyorquino que inspiraron la figura de Michael Clayton.

Básicamente, nos encontramos con un thriller que tiene tanta clase como su protagonista, George Clooney, Cary Grant del siglo XXI, y también nominado por este papel. Un análisis riguroso que huye de los artificios de los relatos de John Grisham, para difuminar la línea entre buenos y malos y mantenerla hasta el final de la narración; que, lamentablemente, no se atreve a romper con lo políticamente correcto, para decantarse por una resolución que nunca se dio en los hechos reales en los que se basa. El cine americano sigue apostando por los finales de triunfo moralista frente a la vorágine del mundo actual.

Por lo demás, Michael Clayton es una de esas elaboraciones bien paridas que tan poco juego dan a los críticos. Un trabajo perfeccionista del que pocos errores y muchas virtudes se pueden extraer. Sólo tenemos que recordar su magnífico arranque, en el que una estupenda voz en off acerca a una realidad con la que no estamos familiarizados, para adentrarnos en ella y no permitir que el espectador pagano pueda perderse. Una película que consigue enganchar, como pocas, desde el primer fotograma, que demuestra que los grandes planos no sólo salen de paisajes inspiradores, sino que éstos también se pueden lograr siguiendo con la cámara las ruedas de un carrito que reparte expedientes en unas oficinas, o con el agua de un grifo que intenta calmar la angustia de la protagonista.

Tras una concienzuda exposición, -que pone especial cuidado en el particular back-story de cada personaje y minimiza los efectos adversos de su denso argumento-, los brillantes diálogos y el caprichoso montaje que persigue a la actriz, desembocan en la planificación más excitante que ha dado el séptimo arte desde la versión inglesa de Sabotaje de Alfred Hitchcock. Se agradece su ágil ritmo, la genialidad de conocer el origen de la trama con un cinta de vídeo, de descubrir a Clayton a través de las notas de una secretaria, de aproximarse al memorándum 229 desde la visión de un hastiado perturbado. Se agradece, igualmente, la propuesta que arriesga con un guión parcialmente desestructurado, que permite volver a la inicial partida de pócker, que no será percibida con la misma mirada.

En el apartado que concierne al reparto, asistimos a verdaderos duelos interpretativos, los que se establecen entre todos los personajes y que ampliamente justifican todas sus nominaciones. La contención y el escrupuloso trato que se dedican a cada uno de ellos, son los responsables de la empatía que se establece entre el público y un Tom Wilkinson en estado de gracia (qué ganas tenía de poder escribir estas palabras en una crítica de cine), hasta con una Tilda Swinton que ratifica las conclusiones que, de esta historia, daba su creador: “Cuando estás perdido, ni todo el carisma del mundo te ayuda a encontrar el camino a casa”.

Tan perdida como lo estuvo esta cinéfila en la quiniela de la edición número 80 de los Oscar al marcar su apuesta de “mejor película”. Que nadie se lo crea, que, como diría el encantador Clooney-Clayton, “es broma”.... y la acción transcurre entre los títulos de crédito finales.... y las tribulaciones de un hombre atormentado pronto se solventan con una sonrisa.

Leer critica de Michael Clayton en Muchocine.net